«Пятый театр» представил на суд зрителя премьеру «Горка» 18+. За простым описанием о воспитательнице по имени Настя, готовящей утренник для малышей, скрылась история каждого современного человека, который случайно оказывается в преувеличенной реальности.

Драматург Алексей Житковский написал смешную и трогательную пьесу «Горка», вдохновившись родительским чатом группы детского сада. Пьеса Алексея Житковского и режиссура Ивана Комарова – самостоятельные вещи. Молодой режиссёр из Москвы построил самобытную историю, утрировав текст до предела. А гипербола в этом спектакле хороша. Внутреннее отношение Насти к внешнему миру полностью визуализировано. И зрителя в её нутро затягивают фактически насильно.

Так мы знакомимся с замученной 25-летней женщиной – уставшей, злой, близкой к истерике. Роль главной героини исполняет талантливая молодая актриса Виктория Величко. Её Настя  убивает детей во сне, а они в ответ привязывают её к ёлке и поджигают. Она боится, что её лишат части и так скудной зарплаты.

Мужчина Насти Олег с нарочитой интонацией представителя гоп-культуры весьма громогласно говорит Насте о планах на море, в ритме танца приближается к своей избраннице, нежно и сексуально берёт её за плечи. У Олега обнажённый прекрасный торс, благо в труппе есть актёр Станислав Ляшенко, а на руках у него огромные клешни краба, а на ногах – красные обтягивающие лосины. Настя будто не замечает столь странного одеяния своего избранника. И даже дело не в той самой визуальной гиперболе, а в том, что она просто не замечает Олега. Она уставилась в телефон, где в родительском чате обсуждается предстоящий утренник. Настя, она же Анастасия Витальевна Шмарина – воспитательница подготовительной группы «Пчёлки» - сидит в полутьме на тесной кухне съемной квартиры, пока её мужчина бесполезно пытается намекнуть о себе.

Она не готова думать о море, хотя Олег готов увезти её. Она уверена, что в субботу придёт на площадку строить горку, и будет строить её одна, ведь никто не придёт. Хотя и Олег и даже одноглазый дворник дядя Ваня (заслуженный артист РФ Владимир Остапов) охотно предлагают помощь и соглашаются помочь. Но Настя не думает о хорошем, она создаёт себе самую мрачную реальность и подпитывает её собой же. В итоге мы оказываемся в царстве абсурда.

Здесь есть слегка безумные дети, которые то немного пионеры, то немного дети, то и вовсе ответственные за музыкальное сопровождение ребята, скромно стоящие в темноте съемной квартиры Анастасии. Самый яркий «ребёнок», пожалуй, Илья (Егор Лябакин). Артист весь спектакль проводит с обнажёнными ногами, пытаясь закрыть их спущенными шортами. Остальные «дети» рассредоточиваются по сцене, пока воспитательница пытается собрать эту маленькую упрямую толпу. Авторитетные мамы-зрительницы заявляют, что так оно происходит на самом деле. Остальные зрители смеются, но потом признаются в комментариях, что спектакль плохой, очень плохой. Ведь нельзя показывать то, что есть на самом деле – детские жалобы, произносимые актёрами в возрасте за 30, уставшую женщину, которая откровенно рассказывает про свои сны с детьми-убийцами, наличие жаргонной лексики, которая вовсе не является нецензурной, но осуждается, как оная.

Мальчик Дима (Василий Кондрашин) заболел, нет ведущего утренника, детсадовская врачиха намекнула на взятку, мальчик Илья снова стащил шорты. На сцене полумрак и по нему мечется Виктория Величко. Её сбивают с ног тексты родительских чатов. Она подбегает к самому краю выстроенного на сцене деревянного помоста, чтобы неведомая сила отбросила её назад. Рядом кружится ненужный Олег. За окном падает снег. А Настя грубит. Посылает безобидного дворника, желает смерти местному врачу, срывается на матери ребёнка, злится на Олега. И, наконец, Настю вызывают к заведующей детсадом – Зульфие Фаридовне. Здесь сюр достигает своей кульминации.  Заслуженная артистка РФ Татьяна Казакова в роли заведующей великолепна – на ней действительно золотая корона с каменьями и белая мантия с чёрными проталинами. Она царица, чей алый шлейф поддерживают преданные вассалы – медицинский работник Жанна Борисовна и музыкальный работник Марина. Последняя, к слову, одета не менее изобретательно, чем её руководитель – в розовые меха. И здесь Настя уже срывается окончательно – стоя на стульчике и исполняя песню по требованию руководителя. Хотя Зульфия Фаридовна начинает диалог с вопросом о состоянии Насти, той такая забота кажется издёвкой.

Среди всего этого ада, в который загнала себя героиня, находится единственный светлый кусочек добра – маленький мальчик Озод (Дмитрий Макаров). Никому не нужный ребёнок, которого наша героиня может обнять, согреть и защитить. Он не такой как остальные. Он сидит в углу с кастрюлькой. И Настя не такая – она чувствует себя чужой на этом празднике жизни. И всей душой, всем сердцем она любит этого ребёнка. Она улыбается, вскидывает руки и смеётся и радуется, снова придумав новую реальность – чужую и несбыточную. Она отчаянно цепляется за эту мысль, за эту историю и за эту любовь. Прогнав всех от себя, вдруг Настя обретает острое понимание того самого настоящего счастья.

«Пятый театр» побеждает в очередной раз. Не работая на потребу публике, он растит своего зрителя – разумного, чувствующего, образованного, зачастую циничного. Спектакль «Горка» вряд ли станет коммерчески успешным или будет собирать большие залы, но нахождение в репертуаре такой постановки – это имиджевая составляющая для самого передового театра нашего города. И в этом заслуга в первую очередь его руководителя – Никиты Гриншпуна.

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Анна Шестакова

В Омске состоялась премьера балета «Золушка». По словам главного балетмейстера Музыкального театра Надежды Калининой, «Золушка» авторства композитора Сергея Прокофьева должна быть в репертуаре каждого уважающего себя музтеатра. Что касается омского случая, сейчас этот балетный спектакль входит в репертуар с аншлагом – как того и заслуживает.

Полупрозрачный занавес с нарисованным часовым механизмом стремительно поднимается и зритель уже выдыхает – его минимум ждёт роскошное зрелище. Художник-постановщик Сергей Новиков превзошёл самого себя. Каждый костюм спектакля хочется разглядывать, а сценография становится полноправным участием действия.

Для Надежды Калининой это самый масштабный проект в карьере. И очень повезло жителям Омска, что настолько здорово реализованная идея случилась именно в нашем городе. Мало того, что спектакль просто обязан получить коммерческий успех, его уже можно назвать визитной карточкой города.

Отдельного внимания заслуживает распределение ролей. Надежда Калинина подошла к этому вопросу без оглядки, и в результате мы получили интереснейшие характеры.

Например, заслуженный артист РФ Сергей Флягин в роли Мачехи. Надежда Калинина отметила, что такой выбор добавляет сюжету комичности и позволяет решать вопрос с поддержкой исполнительницы Золушки. Кроме того, вариант «назначения» Флягина абсолютно беспроигрышный, если учитывать безусловный драматический талант артиста. В «Золушке» же солист, которому очень к лицу благодарный зелёный цвет его одеяния, настолько ярко играет злобную самодовольную укротительницу Золушки, что иного исполнителя на его месте представить сложно. Хотя в программке на этой же роли значится имя Валентина Царькова – замечательного артиста. Но пока представить его в роли Мачехи сложно, уж слишком на своём месте находится Сергей Флягин.

Зато Валентин Царьков крайне харизматичен в роли продавца механических изобретений. С изящными усиками, в элегантном жакете с золотыми лацканами статный Валентин – настоящий искуситель. Или аферист, как угодно. Прищур красавца-артиста очень украшает сцену обучения танцам. Несмотря на эпизодичность роли, Валентин Царьков традиционно запоминается зрителю.

на фото: Валентин Царьков

Третья прописанная роль для Царькова – Волшебник. В сказке Шарля Перро путёвку в лучшую жизнь Золушке даёт фея, а в версии Жигаловой – Волшебник, который не абсолютный добряк, как можно представить в прототипе классической феи, а вполне такой хитрый парень. На блюдечке он подавать ничего не собирается ни Золушке, ни Принцу. На премьерном показе воплотить этот образ удалось молодому Александру Шеверову. Как пояснила Надежда Калинина, отчасти благодаря этому 19-летнему юноше и появилась роль Волшебника. Образ словно напросился на талантливого исполнителя. Драматургически Шеверов очень хорош. А их дуэт с Екатериной Жигаловой – исполнительницей роли Золушки – очень гармоничен.

на фото: Александр Шеверов и Екатерина Жигалова

Замечательный дуэт получился у Анны Марковой и Анастасии Романовой. Они играют двух родных дочерей Мачехи – Злюку и Кривляку. Получился очень сочный тандем. В целом балетмейстеру Надежде Калининой удалось выбить «химию» из всех персонажей сказки. Каждый дуэт состоялся, и каждый исполнитель пронизан эмоциональной составляющей партёра. Помимо техники артисты демонстрируют полную драматургическую игру, а весомости кордебалету добавляют костюмы и сценография постановки. Чего только стоит композиция, когда артисты собираются в единый часовой механизм и вся сцена приходит в движение.

Декорации двигаются, свет меняется, танцоры ускоряются до фактического мелькания. И посреди этого буйства хрупкой фарфоровой девочкой кружится Екатерина Жигалова – лучший подарок нашему городу. Великолепная солистка, нежнейшая балерина, настоящая Золушка. Та, о которой нам рассказывали в детстве и какой мы привыкли видеть её на рисунках. Невесомая, воздушная, худенькая и очень красивая Екатерина хороша в каждом из трёх костюмах – неизменно белых.

на фото: Екатерина Жигалова

В домашнем одеянии нелюбимой падчерицы-служанки, в бальном наряде и в свадебном платье. Надежда Калинина соорудила для Золушки сложнейшую партию, которую артистка исполняет словно играючи. До последней минуты спектакля Екатерина Жигалова парит в воздухе, наполняя новым рисунком партитуру Сергея Прокофьева. Без сомнения, имя Екатерины Жигаловой ещё прочнее закрепилось в программке омских театралов. Такую чудесную артистку нужно во всех смыслах носить на руках.

Отдельное внимание привлёк персонаж Короля – единственный герой, которого сумела завлечь Мачеха, демонстрирующая явный талант спаивать потенциальных мужчин. Вот и Король поддался на её уловку.

на фото: Сергей Флягин (слева) и Антон Завьялов (справа)

У Антона Завьялова действительно королевская стать и роль сильного мира ему уж очень к лицу. Учитывая, что к балету артист не имеет никакого отношения. Поклонники Музыкального театра знают великолепный бас Завьялова, который уже семь лет числится в труппе солистом-вокалистом. Выяснилось, что втайне артист осваивает искусство танца.

«Я зашла в балетный класс и увидела, что артист-вокалист занимается. «Молодец! - сказала я. – Не хотите ли исполнить партию Короля?». Так он попался в мои руки», - рассказала Надежда Калинина на встрече с журналистами в преддверии премьерных показов.

Не зная этой, казалось бы, невероятной ротации, невозможно что-то заподозрить. Антон Завьялов находится абсолютно в своей тарелке, существуя со всеми наравне. Надежда Калинина так грамотно продумала королевскую партию, что отрезала на корню все сомнения, которые могли бы возникнуть у опытного зрителя. И теперь, замечательного резидента Музыкального театра можно смело поздравить с успешным дебютом балетного исполнителя.

Что касается Принца – Омск ждёт своего любимого солиста Андрея Матвиенко. К сожалению, в премьерные показы артист из-за старой травмы не смог выйти на сцену. По приглашению Надежды Калининой роль блестяще исполнил заслуженный артист Республики Беларусь Юрий Ковалёв. Планируется, что к следующему показу в конце июня Андрей Матвиенко придёт в норму и выйдет на сцену. И здесь хочется посоветовать Сергею Новикову сделать костюм Принца поярче – уж слишком сливается красный камзол персонажа с одеянием кордебалета и алой световой палитры.

на фото: ведущий мастер сцены национального академического Большого театра оперы и балета Республики Беларусь, засл. арт. Республики Беларусь Юрий Ковалёв

В очередной раз балетмейстер Надежда Калинина доказала не только неиссякаемый талант хореографа, но и продемонстрировала удивительную зоркость режиссёра. Спектакль «Золушка» может смело претендовать на фестивальную программу. Постановка в трёх действиях стала триумфальным проектом Омского музыкального театра – благодаря огромной проделанной работе артистов и их требовательному руководителю.

Текст опубликован в газете "Ореол" от 29 мая

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Андрей Кутузов.

В Омске прошла премьера моноспектакля актрисы Лицейского театра Анастасии Максименко. Показ проходил в рамках I Фестиваля моноспектаклей «ЧАТ». Организатор – Лицейский театр, чьи четверо актёров принимают участие в фестивале со своими премьерными проектами. Голосованием зрителей самые удачные постановки попадут в репертуар лицеистов.

На третий день фестиваля выступила Максименко, которая выбрала пьесу «Зельда» (В.Льюс), посвящённую супруге романиста Френсиса Скотта Фицджеральда.

Они поженились сразу после публикации его первого романа, и долгие годы истязали себя любовью, ревностью и бесконечными вечеринками. Их страстный и бурный брак всегда был в центре внимания светской хроники. Они изменяли друг другу, не могли жить друг без друга, ругались и были постоянно пьяны. Потом всё пошло под откос. Фицджеральды обанкротились, Зельде поставили диагноз шизофрения, Скотт ушёл к другой женщине, умер от сердечного приступа, а через восемь лет она погибла при пожаре в клинике для душевнобольных.

Зельда Фицджеральд – это мощный портрет не только эпохи и свободолюбия, но и как полагают исследователи, женского феминизма. Никто не сможет умалить бессмертного блеска этой женщины. Её влияние на мужчин, культивируемая сексуальность, литературный талант, эпатажные выходки  – все это не может не создать интереснейший образ. А шизофрения кажется в этом портрете самым уместным штрихом.

Насколько образ интересный, настолько он сложный. Тем удивительней было, что за него взялась молодая актриса Лицейского театра. Был очень малый процент, что задумка окажется удачной, и этот процент не оправдался. Талантливая и очаровательная Анастасия Максименко просто не вытянула бремя женщины, от лица которой она произносит текст.

На сцене артистка появилась в атласной сорочке, пижамных штанах и красных гольфах, видимо намекающих на диагноз героини. Она входит в кабинетный интерьер будто начинающего психотерапевта. На сцене, белая ширма, белый стол, белый шкаф и два стула, слегка повёрнутых друг другу для диалога. Выбивается из жанра компьютерный стул (Фицджеральды жили в первой половине 20 века), современная чёрная лампа и современные папки для файлов. Зато маленьким, но очаровательным элементом стала миниатюрная фигурка скелета мамонта на верхней полке.

С пространством артистка работает очень хорошо. В остальном знакомые с личностью Зельды зрители вовсе не могут узнать её в созданном Максименко образе. Героиня актрисы злая, агрессивная, лишенная харизмы. Её игра больше похожа на ужимки Киры Найтли из фильма «Опасный метод», которая также неумело изображала нездоровость ума. Играть сумасшедших весьма не просто, и мало кто даже из именитых киноактёров берётся за этот труд. За пример стоит взять Николь Кидман и фильм «Часы», где актриса играла роль психически нездоровой писательницы Вирджинии Вулф. Без ужимок, истеричного хохота, вскриков, говорения сквозь зубы и выпячивания подбородка, как это часто бывает у актёров, не готовых к сложности психически неуравновешенного образа.

Анастасия Максименко перебирает книги, читает стихи, швыряет бумаги, неестественно и внезапно громко смеётся. Смех у Анастасии очень нарочитый. В целом неестественных моментов много. Героине быстро перестаёшь верить и соответственно перестаёшь её жалеть. В итоге она просто раздражает капризами (в болезнь не верится, слишком явно её проигрывают).

Акценты и запятые отсутствуют. Героиня остается в одном состоянии на протяжении всего спектакля, хоть актриса действительно старается изобразить иное. Не хватает пауз, чтобы оценить следующие текстовые всплески. Не вызывает эмоций мизансцена с воспоминаниями. «Моя комната вон там», - чеканит Анастасия Максименко, показывая вдаль. Описания прошлого Зельды – комната, солнце, звуки вальса – всё это не вызывает эмоций. Слишком равнодушно нам подают трепетные моменты юности. И самое главное – имя Скотт должно звучать в устах Зельды по-особенному, совсем иначе, нежели всё сказанное. Но про бывшего супруга героиня говорит быстро, как и всё остальное. И даже кульминационное восклицание «А я даже рада, что Скотт умер!» героиня Фицджеральд произносит неубедительно, в спешке.  

И только одна сцена, когда Максименко избавляется от зрителя, делая вид, что обнимает любимого, заставляет задержать дыхание. На мгновение нам открывается израненная душа отчаявшейся сильной женщины, которая так хочет вернуться назад – к любимому мужчине, к его груди и в его руки. И артистка искренне, до ломоты, страдает по своему Скотту. И этот момент может даже примирить зрителя со всеми недостатками спектакля.

Примитивно выглядит, когда актриса начинает опускать руки в разноцветную краску и «портить» белую ширму. Ширма шаткая и актриса очень старается красить аккуратно, чтобы её не уронить и это уже выбивается из образа психически нездорового человека. Ведь если создатели моноспектакля хотели показать выплеск эмоций Зельды, то выплеск уж очень выдержан. А вот на завершение спектакля хочется кивнуть. Героиня выпивает таблетки и ложится умирать. Такой конец понравится и тем, кто не знаком с истории Зельды Фицджеральд и тем, кто в курсе её биографии.

Несмотря на неудачный выбор материала и на столь же неудачный результат, Анастасию Максименко хочется выделить за ярое желание показать зрителю именно Зельду Фицджеральд – сложную женщину своей эпохи. Видно, что проведена серьёзная работа и видны старания актрисы. Но постановка вряд ли попадёт в репертуар. 

В Центре современной драматургии состоялась премьера спектакля «Бог ездит на велосипеде». Жанр – гифка, вдохновитель – Чехов, в главных ролях – музей экспонатов и твоя никчёмная жизнь. 

Совсем недавно в Пятом театре состоялся интересный эскиз «Нос» по мотивам повести Николая Гоголя. По просмотру сразу стало понятно, что вещь интересная, но в Омске к ней точно не готовы. Такая штука рисковала повториться со спектаклем Центра современной драматургии «Бог ездит на велосипеде», но к счастью не повторилась. К такой вещи Омск как раз сознательно подошёл. Настороженно, аккуратно, с любопытством и с прячущимся за культурную спину ханжеством. А всё потому, что, несмотря на современные инструменты режиссуры и драматургии, чеховская история никуда не делась.

Пока мы пьем чай, рушатся судьбы. А пока рушатся наши судьбы, Бог ездит на велосипеде. Он нас, может, любил, а, может, устал любить, но вывод один – у него уже есть свои дела. А возможно мы для него набор гифок. Эдакие пассивно существующие экспонаты в неоновом свете. И декорации скупые и психолог «сломанный». Как игра Sims, в которой создали персонажей, а играть надоело. Вот они и ходят в чём попало, да ещё и застревают у стеночки, кружась в пёстрых лосинах.

Центр современной драматургии снова пошёл на эксперимент. Происходит это у них очень забавно. Словно двигаясь интуитивно и зачастую по принципу «о, а давай…» они, то ли за, то ли вопреки, вскрывают очередной криптекс. А кто помнит, криптекс американского писателя Дэна Брауна работал «по принципу современных комбинационных замков для велосипеда». И вот мы сидим в уютном кресле арт-центра на Любинском, часто смеёмся и невдомёк для нас самих подбираем кодовые замки. Щелчок – а папа то не просто так сына третирует. Щелчок – а у героини сумка в виде гробика. Щелчок – а другой героине приходится «шлак» приглашать на день рождения. Щелчок – бедные дети, живут по готовому сценарию. Щелчок – чёрт возьми, мы тоже! А что делать?

А никто не знает, что делать. Интуитивно догадываемся, что надо выбираться из этой карусели, где уже хомячки заколебались бегать, а мы всё бегаем и чай наливаем. И вроде хочется своей жизнью пожить, да только какой, мы и сами не знаем. В спектакле, к примеру, есть десятки вариантов, данных от социума: вуз для неудачников, работа в ритейл-сфере, замужество за парнем из офиса, развод через год, ну  и так далее. А какой вариант хочется? Да уже никакого. Даже если бороться за пост президента, всё равно как-то нелепо получается, да и забудут тебя скоро, да и принесёт ли это удовольствие тоже неизвестно. Поэтому есть вариант спрятаться под стол и отключиться от вай-фая. Там тебя точно не найдут и не запарят своими «надо вот так». Хотя нет, найдут. Минимум достанет детский психолог, которому надо свой час отработать.

И вот тут становится неуютно уже зрителю. Вроде и весело, а вроде и как-то не очень. Чтобы было неуютно артистам, позаботились режиссеры спектакля Светлана Баженова и Сергей Захаркин. Роли мальчиков они отдали девочкам и наоборот.

«В один прекрасный вечер нам пришла мысль, что никто не должен играть персонажей своего пола. Надписи на футболках не соответствует действительности, всё, что я думаю, не соответствует действительности, всё, что я делаю, не соответствует действительности, всё, что я чувствую, не соответствует действительности. Мы все выполняем социальные модели. Мы все приходим на работу, общаемся с людьми, выполняем определенную роль. Мы можем предсказать друг другу, как будет продолжаться наша жизнь. Я называю это логикой персонажа. И это печально. Это, правда, печально. Мы избираем себе курс и по нему двигаемся. Предрешённость, заданность наших чувств и поступков – это беда. И об этом мы в первую очередь говорим в этой пьесе. Мы являемся заложниками наших масок», - рассказала Светлана Баженова. 

С заменой полов актёров и персонажей был риск скатиться в ту самую пошлость по определению Набокова. Но тонкая грань задалась режиссёрами верно, и персонажи закреплены только определяющей интонацией и окончаниями в обращениях друг к другу.  

Ни в коем случае не изменил своему мужскому началу Владимир Кин, который сыграл 14-летнюю Наташу. Актёр не преувеличивает девичьего образа. И что важно – так здорово Кин играет не женскую роль, а роль Владимира Кина, исполняющего женскую роль. Кажется запутанно, на деле всё просто. Актёрам не нужно быть убедительными. Мы чётко видим, что именно красотка Зарина Демидова играет мальчика Кирилла,  именно Ярослав Максименко штампованно позирует для селфи, а Дмитрий Исаенко – тот самый мёртвый парень, который за белой ширмой «вымогает» у своей младшей сестрёнки красных мармеладных мишек. Актёры одновременно как убедительны, так и гиперболично чужды своим персонажам. И это очень круто. Это очень честно и вот на такой разговор зритель идёт охотно. Когда выходит к нему Полина Кремлёва и говорит «Я – отец», а за ней мягко ступает Дмитрий Татарченко, который признается – «Я – мать». Мол, да, дорогой зритель, вот такую роль мне дали сумасшедшая Баженова и злорадный Захаркин. И хохот того самого Захаркина утопает в музыкальном сопровождении его же авторства. Кстати, будь музыка другой, повествование бы тоже стало другим, а нам оно нравится, каким было рождёно.

Всю эту прелестную индивидуализированную утопию дополняет потрясающий вкус екатеринбургского художника Лены Треуголки. А совсем как в недавнем фильме Гаспара Ноэ гифки на экране сменяются цветными титрами – без ролей, просто фамилии резидентов ЦСД. Калейдоскоп оказывается комфортным, настигает культурный «психоделический трип». Зритель невольно залипает в эту большую почти полуторачасовую гифку, подсаживаясь на палитру костюма и пластику Ярослава Максименко, который тут просто первая балерина. 

А тем временем пьётся чай и рушатся судьбы.

Текст опубликован в газете "Ореол" от 27 февраля. 

Ирина Чернышева

Стилистика молодого и талантливого режиссёра Евгения Мальгавко уже узнаваема. В каждой постановке она разная, но из раза в раз предложенные постановщиком палитра и пластика становятся изюминкой не только оформления, но и самого повествования.

Лицейский театр представил первую премьеру 2019 года – жизнеутверждающую постановку по сказкам Степана Писахова «Морожены песни» в постановке Евгении Мальгавко. C музыкой, песнями и танцами артисты рассказали историю о стойкости и широте русской души. Этот спектакль дополнил афишу вечернего репертуара с пометкой 16+.

Евгения Мальгавко окончила Театральный институт им. Б. Щукина только в прошлом году, но театралы имя молодого постановщика уже знают. Режиссёр значится в списке режиссёров Лицейского театра, также её спектакль идёт в омском ТЮЗе. К слову, именно по работе в Театре юного зрителя стало понятно, что с большим пространством Евгения пока не справляется, а камерная сцена идеально подходит для её идей.

Жанр спектакля «Морожены песни» заявлен как фарс по-сибирски. В анонсе говорится, что это жизнеутверждающая постановка, в которой артисты расскажут историю о стойкости и широте русской души, создадут сибирский колорит и атмосферу праздника. Лучше и не сказать, волшебство начинается с первой секунды показа.

«Меня привлекло то, с какой самоиронией и юмором относится автор к русскому менталитету, - говорит Евгения Мальгавко. - В его сказках заложена мысль о том, что русский человек способен преодолевать трудности несмотря ни на что. Поэтому и спектакль хотелось поставить такой: жизнеутверждающий, колоритный, позитивный».

Настоятельно рекомендуется приобрести программку к постановке. Это отдельный сувенир, который стоит того, чтобы его сохранить – открытка с авторской работой известного тарского художника Дениса Русакова. Иллюстрации Дениса ещё не раз внимательный зритель заметит в спектакле, а наклейка «Мэйд ин Сибирь» и вовсе широким жестом будет представлена зрителю.

Как только в зале погаснут люстры, программка начнёт светиться благодаря неоновому свету со сцены. Занавес поднимается, и мы оказываемся в студёной, заснеженной, но такой уютной зиме. За это большое спасибо и овации молодому художнику-постановщику Денису Бабенко, который ранее уже сотрудничал с Евгенией Мальгавко при работе над атмосферным спектаклем «Цыганы».

Минус 500 градусов мороза, беспрестанно падающий снег, ледяные ветки, оформленные колокольчиками-«ветерками» звенят, опускаясь над героями. Валенки, тулупы, платки и задорнейший смех. Вопреки невольно пробегающей дрожи от визуализированного холода, от персонажей исходит такая горячность, что они проносят зрителя сквозь стужу, сберегая нас любовью друг к другу и ко всему миру.

Три пары наших героев в трёх поколениях строят череду удивительных мизансцен. Волшебных, зачастую без слов, порой даже в тишине или в сопровождении народных песен. Это первое свидание влюблённых, попытка вручить чудесный замороженный букет прекрасной девушке, первое катание на лыжах для самой молодой пары. Это совместный быт, закручивание банок, приём гостей в доме взрослой пары. Это замечательный монолог деда, до одури влюблённого в свою сгорбленную и ворчливую вторую половинку. Обнять любимую, убаюкать ребёнка, станцевать с мужем, рассмеяться с женихом – эфемерно и изящно режиссёр демонстрирует, насколько прекрасны эти простые радости.

В спектакле семь персонажей, включая улыбчивого иностранца, обалдевшего от морозов и согретого заботой местных жителей. На некоторых персонажей заявлен постоянный состав актёров, на некоторых – дубли. К примеру, в постоянном составе Арсений Гуров в роли того самого иностранца. Такой же добрый, как и все вокруг, с восторгом влюблённый в замороженные песни. Александр Боткин в роли наверно самого пляшущего Деда на свете наконец-то не герой-любовник, а десятки лет примерный и уже изрядно

бородатый семьянин. Евгений Хохлов – немногословный Мужик, строго забирающий свою умилительно-скандальную Бабу и аккуратно качающий ярко-деревянную колыбель. Светлана Позднякова – Девка, хохотушка с большими красивыми глазами и неожиданно рыжими волосами.

В предпремьерном показе роли Парня, Бабы и Бабки исполняли Евгений Трубкин, Маргарита Гончаренко и Евгения Заднепровская. Что касается последней актрисы, то такой Бабки, какую воплотила на сцене Евгения, ещё поискать. Блестящее исполнение задуманного характера, молодецкая удаль одного из самых старых персонажей всей компании. На протяжении спектакля создается ощущение, что Евгения Заднепровская действительно живёт в этой истории, и её реплики не прописанные, а к месту ловко сказанные. Можно было бы даже подумать, что Евгения тонко импровизирует.

Спектакль хоть и идеально от шага к шагу выстроен, кажется очень свободным и воздушным. Ветки плавно покачиваются, сосульки звенят, снег лежит аккуратным сугробом в левом верхнем углу сцены. Музыка и песни обращают нас в абсолютно аутентичную атмосферу. Автором музыкального оформления выступил Захар Череватюк. Над постановкой танцевальных номеров и над пластическим рисунком персонажей работала известный омских хореограф Ирина Горэ.

Как отмечает пресс-служба Лицейского театра, лихой, задорный, с музыкой, песнями и танцами, спектакль станет отличным лекарством от хандры, вселит оптимизм и научит радоваться каждому дню.

Бонусом от лицеистов в день премьеры в театре открылась выставка картин художников из Тары Дениса Русакова, Ивана Шатова и Антона Куприянова. Все они объединены общим брендом: галереей «Сугроб», которая возникла в 2016 году в городе Тара как Арт-изба. Сегодня галерея является пространством для работы над созданием различного рода искусства, проведения выставок и других культурных мероприятий.

Текст опубликован в газете "Ореол" от 13 ферваля. 

История эта началась ровно 10 лет назад. Тогда бессменный руководитель «Театра живописи» Николай Михалевский поставил спектакль «Танцуем Эдгара Дега» по мотивам творчества известного художника. Исполнителем мужской роли в те годы был профессиональный балетмейстер Станислав Колесник, вместе с ним в спектакль пришли девочки из его ансамбля классического танца «Мир танца». Сейчас Станислава Колесника нет на этом свете, «Мир танца» сменил уже двух руководителей, а сам спектакль канул в лету. Но зрители надолго запомнили эту воздушную постановку и беспрестанно спрашивали, будет ли она возрождена. И Николай Михалевский принял долгожданное решение поставить новый спектакль по старым мотивам.

На ведущую роль руководитель «Театра живописи» позвал своего коллегу по сцене театра драмы – Николая Суркова. Держа в руках массивную книгу о Дега, молодой человек исполняет роль балетмейстера и, мимолётно, самого Дега. В новом спектакле также есть балерины. Они не безмолвная движимая часть сценографии, а полноценные и практически главные героини сегодняшнего вечера. Для них открыт балетный класс, на сцене появились станки, за сценой лежат костюмы разных жанров. Они и ученицы современного восприятия Дега и живое воплощение его бесконечно воздушных полотен.

В спектакле заняты студенты кафедры хореографии факультета культуры и искусств ОмГУ им. Ф.М. Достоевского, воспитанницы заслуженной артистки России Натальи Тороповой.

«Это будущие хореографы – говорит Николай Михалевский. И если предыдущие исполнительницы были ориентированы исключительно на классику, то нынешние танцуют и народные, и современные, и классические танцы. У них совсем другая природа и, значит, получается совсем другая история. К тому же, как будущие постановщики они сами смогли придумать некоторые танцы, хореографические линии».

Девочки на глазах зрителей вспоминают и запоминают биографию Эдгара Дега. Они порой задумчиво, порой молниеносно отвечают на вопросы Николая Суркова, разбирая по кирпичикам жизнь художника. Начиная с его отказа от аристократической фамилии и заканчивая убийственной для него болезнью – слепотой. 

«Ворчливый человек с дурным характером, раздражительный, вспыльчивый, горячий, но миру он известен, как автор воздушных картин»,- начинается спектакль.

Балерины его страсть. Он пишет балерин, чтобы показать ткань и движение. Дега видит незапланированные проявления жизни и стремится запечатлеть эти незаметные невооруженному взгляду мгновения. И режиссёр помещает нас в обстановку, в которой жил художник. Балерины разминаются у станков, привычным движением затягивают шнурки пуантов, массируют руками шею, выпрямляют спину перед зеркалом, опираются на станок локтями, устраивая себе передышку.

Первую половину спектакля мы слушаем плавное повествование о жизни и творчестве Дега в исполнении Николая Суркова и его временных подопечных. Девочки радуют зрителей изящными па, и чем дольше идёт спектакль, тем чаще балерины заменяют слово танцем.

«Спектакль длится столько, сколько длится действие живописной игры»,- говорит «закадровый» голос тембром Татьяны Филоненко.

Заслуженная артистка РФ выходит на сцену традиционно стремительно, ярко, задавая абсолютно иной темп всему происходящему. Выглядит Татьяна Филоненко традиционно великолепно –  в тёмном платье, чёрном плаще до пят и в напоминающей о прошлом эпохе чёрной шляпке. В руках у актрисы плёночный фотоаппарат, который она вскоре передаёт Николаю Суркову и берёт в руки книгу о Дега. Но ей не приходится туда часто заглядывать и, отдав фолиант одной из балерин, Татьяна Филоненко опытно рассказывает о великом импрессионисте.

Тем временем балерины меняют наряды, а на стене калейдоскопом мелькают картины и вырезки из видео репетиций танцовщиц. И если спектакль начинался плавно и размеренно, то ближе к его завершению обстановка будто накаляется.

У Николая Суркова пропадает спокойствие, Татьяна Филоненко говорит ещё быстрее и резче, а затем и вовсе перед зрителями спускается прозрачный занавес, отделяя нас от танцующих балерин. А именно им суждено рассказать о прогрессирующем недуге художника. Эдгара Дега поджидает болезнь и старость. Художник становится сварливым, невыносимым. Из-за плохого зрения мастер обращается к скульптуре. Темы скульптур Дега повторяли темы его картин — танцовщицы, купальщицы или скачущие жокеи. Эти работы заменяли ему этюды, и лишь немногие скульптуры он доводил до конца. Сурков и Филоненко, отталкивающиеся друг от друга в течение постановки, соединяются в плавном танце – спектакль, как и жизнь Дега, движется к завершению.

«Танцуем Эдгара Дега» – это не просто спектакль. Это история Дега-художника и Дега-человека, рассказанная словом и танцем, душой и телом. Как Дега «прятался» за кулисами балета, запоминая и увековечивая уставших балерин,  их движения, их полусогнутые фигуры, тянущиеся за пуантами пальцы, так сегодня мы рассматриваем эту гигантскую галерею лиц, тел, фигур, читая в них восприятие художника.  

Историю балета сегодня можно узнать в залах музеев. Историю балета глазами великого французского живописца Эдгара Дега можно узнать в омском Театре живописи. Мастер оставил много секретов, как своего таланта, так и своего наследия. Почему женщины на его эскизах уродливы? Как в рисунках Дега вымещал свою злость и отчаяние? Было ли у художника отвращение к женщине? Стали балерины для него откровением или лишь инструментом? Об этом рассуждают артисты Театра, по полному праву беря на себя искусствоведческую миссию.

«Мы открываем мир художника. Мы понимаем, что такое шедевр»,- говорит Николай Михалевский.

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Анна Шестакова.

Ярослава Пулинович – омичка, снискавшая славу на поприще российской драматургии. Пьесы молодого драматурга чаще всего с открытым концом, со скрытой за простыми строчками мудростью и зачастую обессилевшей тоской. В омском ТЮЗе начинающий режиссер Максим Пешин поставил по пьесе Пулинович спектакль «Возвращение домой». Постановка, даже при некоторых неровностях, безусловно заслуживает внимания омского зрителя.

На сцене путешествие котёнка Тосей из Екатеринбурга. Тося живёт на чердаке и мечтает о славе певицы в Москве, а лучше в Париже или Лондоне. Над котёнком смеются даже воробьи. В один прекрасный день на чердак залетает птица феникс по имени Феликс. Тося нагло напрашивается лететь с ним и начинается их маленькое, но трогательное путешествие, в котором Феликс вынужден заботиться о своей крохотной подопечной.

Роль Феликса играет сам постановщик. Максим Пешин выбрал оптимальный образ для своего героя – уставший, без лишней эмоции, раздражённый, с  тысячелетним грузом на крыльях. В пару себе он выбрал Марию Овчинникову и Веронику Крымских. Обе актрисы очаровательны, но истории с ними получаются абсолютно разными.

Мария Овчинникова очень подходит на роль самовлюблённого, но наивного котёнка. И кажется, что сам Пешин ей благоволит, потому отношения героев развиваются в нужной прогрессии. Феникс оттаивает, Тося всё чаще скучает по своему другу, а зритель, в свою очередь, чувствует их симпатию друг к другу и ждёт развязки сюжета. С Вероникой Крымских такой истории нет. Попросту совсем нет той общей истории с Феликсом. Пешин держится в напряжении с партнёршей, а актриса выбирает заметную дистанцию со своим «покровителем». В итоге симпатия героев согласно сюжету оказывается сюрпризом для зрителя. К сожалению, портрет Тоси Вероника тоже не смогла составить. Её котенок оказался без характера, а наивная лёгкость больше наиграна, чем сыграна актрисой.

Особого внимания заслуживают второстепенные персонажи. Рисунки героев-животных выполнены практически безупречно и на сцене появляется несколько интересных пар. Дмитрий Керн и Александр Галимов заметно оживляют действие после спокойного начала спектакля. Керн великолепен в роли бродячего пса Ягеля, ищущего жертву на продажу скорняку за мешок костей. Актёру образ безжалостного бродяги идёт не менее чем  костюм Ленского или Филиппа Моргана из «Верёвки». Керну с удовольствием дают роли мальчиков и принцев, хотя в ролях брутальной истории он смотрится даже более органично.

Гармоничную и контрастную пару в «Возвращении домой» ему составил Александр Галимов. Пёс по кличке «Шустрый» – в белой майке, демонстрирующей хорошую форму, с капой на зубах и топорным любопытством не самого умного паря на свете. Будучи «шестёркой» Ягеля, он убедительно подчиняется своему патрону и покорно ведёт Тосю в жестокие человеческие руки.

Вторая яркая пара – попугаи Лорка и Маркес, роли исполняют Надежда Костюк и Данил Супрун. Ругающиеся, но влюблённые – мечта психоаналитика – они настолько попугаи, насколько можно изобразить этих птиц. Щебечущие, с хохолком у мальчика и цокающими каблучками у девочки, они носятся по сцене, невольно вызывая улыбку.  

Другая пара Ольга Которева и Михаил Квезерели – феникс Матильда и орёл по имени Виктор. Виктор молчалив, но прекрасен. Квезерели – настоящий орёл, роль будто написана для его статности. В то же время он влюблённо смотрит на Матильду, с удовольствием выбрав желанную позицию эдакого секьюрити. А вот Ольга Которева будто не в своей тарелке. Она изящно ходит, красиво взмахивает рукой, но откровенный и важный разговор двух фениксов выглядит притянутым. Пешин в этой мизансцене хорош, его собеседница же отыгрывает текст, используя неестественные приёмы антреприз.

Все артисты, кроме главных героев играют не одну второстепенную роль. Так, Дмитрий Керн становится звездой, забирающей котёнка. Надежда Костюк превращается в переводчицу звезды. Даниил Супрун вживается в роль телохранителя. Александр Галимов становится воробьём, а Михаил Квезерели – скорняком. Павел Зубенко играет телохранителя и диджея. И все герои становятся танцующими гостями на вечеринке.

Сценография постановки камерная и простая. В середине сцены – деревянный помост, на нём стул, а смену локации демонстрирует большой экран, на котором в графическом жанре рисуются урбанистические и небесные пейзажи: чердак, переулок, Париж, Лондон, ночное небо. Идею видеоформления воплотил в жизнь Максим Лужанский. Шуршание графита становится своеобразной музыкальной запятой к следующей мизансцене спектакля.

Что касается музыки – её не хватает. Максим Пешин сделал музыкальной темой спектакля композицию французского композитора Яна Тьерсена. Мелодия великолепна и очень вписывается в атмосферу спектакля. Но в целом музыкального оформления оказывается недостаточно,  и в постановке случаются паузы и провалы. От этого спектакль выглядит слегка неровным.

Замечательную историю режиссёр мог сделать из перелётов Феликса и Тоси в другую точку их путешествия. Уверенно стоящий на ногах Пешин и партнёрша на его плечах. На сцене царит полумрак, на видеоэкране блестят звёзды, звучат ноты Яна Тьерсена. Картинка выходит очень камерная и красивая, но нет ощущения движения и полёта. Да и сама мизансцена длится всего несколько секунд и зритель не успевает «достигнуть» новой локации. Спектакль бы украсили продолжительные и динамичные сцены в ночном небе.

В целом постановка располагает. История Пулинович трогательная и печальная, а Максим Пешин сумел раскрыть характер персонажей, оставляя в героях лишь рисунок животных, но вытащив вперед человеческие черты. Также в постановке много забавных моментов, а концовка примиряет зрителя со всеми недостатками. У режиссёра Максима Пешина получается выбить из зрителя ту самую мысль о трагичности и отчаянности любви.

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Омский ТЮЗ

От Омска до Санкт-Петербурга расстояние в три тысячи километров. А вот до Санкт-Петербургского Эрмитажа омичам теперь рукой подать. Выйти на улицу Ленина, зайти в музей ИЗО имени Врубеля, подняться на второй этаж, пройти мимо врубелевской сцены и зала с триптихом Михаила Врубеля, спуститься по лестнице и, пройдя по темному короткому коридору, зайти в маленький зал. Здесь Эрмитаж. Его история, потери и шедевры. А еще здесь экскурсовод Эрмитажа – Татьяна Филоненко. Актриса «Театра живописи» на этот раз переживает огромную историю одной из самых крупных сокровищниц в мире. С ней говорит сам Эрмитаж звучным голосом актера омской драмы Ивана Маленьких. Голос словно из самих глубин истории. Режиссер-постановщик спектакля – Николай Михалевский.

Начинается спектакль с воспоминаний трагедии. Когда более 30 лет назад житель Литвы зашел в музей, прошел в зал с Рембрандтом, и на глазах десятков людей облил кислотой и порезал ножом «Данаю». Это был кошмар. Люди были в шоке, картина таяла на глазах, кислота проникала в кисть художника. Реставраторы и химики боролись за жизнь «Данаи», а окончательно реставрация закончилась лишь 12 лет спустя. Сегодня посетители могут насладиться ее красотой, которую удалось спасти. Если приглядеться, можно увидеть следы от ножа, но теперь они служат лишь как память о том случае.

Шокировав зрителя этой историей, создатели спектакля перешли к более плавному повествованию. Как из частной коллекции Екатерины Второй вырос Эрмитаж? Почему императрица закупала произведения искусства сотнями предметов. В то же время была приобретена единственная для Эрмитажа работа Микеланджело – «Скорчившийся мальчик». Почему пришлось строить новое здание и называть его Большим Эрмитажем? В посмертной описи имущества Екатерины 1796 года перечисляются 3996 картин. Это первая в России художественная галерея. К счастью, следующие правители сохранили и приумножили коллекцию императрицы. А сам музей стал публичным – благодаря строительству здания Нового Эрмитажа.

Акцент – на пожаре в Зимнем дворце 1837 года. Зритель пугается от масштаба катастрофы. Ведь этот пожар тушили более суток, а тлел дворец еще три дня. Люди спасали царское имущество, вынося мебель, столовое серебро и картины прямо на дворцовую площадь. Экскурсовод Филоненко рассказывает с любовью и благоговейным трепетом. Мы узнаем, какие полотна были приобретены, как рос и строился Государственный Эрмитаж

Но к моменту исторической части, где состоялся приход большевиков, накал страстей повествования нарастает. Кульминацией спектакля можно считать момент, когда идет речь о печально известных распродажах. Правительство СССР решило заработать на продаже произведений из музейных коллекций ради индустриализации страны. Экспонаты разной ценности вывозились тысячами, из них 48 экспонатов мирового значения. В спектакле упоминается и «Мадонна Бенуа» Леонардо да Винчи, которую сотрудники Эрмитажа смогли удержать, но по тривиальной причине – не сошлись в цене с потенциальным покупателем. Татьяна Филоненко бурно и нервно перечисляет проданные шедевры, которые транслируются на большой экран небольшого сценического пространства. Волнение трепетной смотрительницы передается в зал. И уже все зрители, заворожено смотря на перечисляемые полотна, искренне сопереживают российской трагедии мира искусства.

Качель революции и распродаж закончилась, и спектакль снова переходит в плавное повествование. Мы продолжаем знакомиться (кто впервые, а кто заново) с великими художниками и их шедеврами: живописец, скульптор и архитектор эпохи Испанского Ренессанса Эль Греко и его картина «Апостолы Петр и Павел»; Пабло Пикассо – выбор ударения на усмотрение говорящего; француз Анри Матисс и сочное полотно «Танец», которое художнику заказал Московский коллекционер Сергей Щукин для своего особняка; Андре Дерен и его «Портрет неизвестного читающего газету» - молодой юноша с картины будто активно включается в диалог, глядя на нас своими печальными глазами.

А тем временем Татьяна Филоненко готовится к встрече посетителей Эрмитажа, чтобы рассказать им свою историю.

Такую кропотливую работу, кою проделал Николай Михалевский переоценить сложно. Спектакль готовился в течение двух лет. За это время создатели изучили бессчетное количество фильмов, книг, статей. Режиссер прослушал все тексты Михаила Пиотровского, оценил высказывания Сокурова. Так появилась история спектакля. Синхронность текста и видеоряда идеальна. Полотна появляются на экране, Филоненко любовно их «читает» и пересказывает зрителю.

Было интересно, какой станет финальная нота спектакля. Неожиданно, но закономерно, итогом повествования стал нидерландский художник-постимпрессионист 19 века Винсент Ван Гог. Самый яркий пример непризнанного творца, который сошел с ума, будучи гением. Его подсолнухи, ирисы, заключенные, пейзажи по сей день будоражат мир, а коллекционеры борются за право обладания полотнами. Зал Винсента Ван Гога находится в здании Главного штаба Государственного Эрмитажа. За десять с небольшим лет Ванг Гог создал более 2100 произведений, включая около 860 картин маслом. В Эрмитаже же хранится всего четыре картины Ван Гога: «Воспоминание о саде в Эттене», «Арена в Арле», «Куст» и «Хижины». Сам живописец покончил с собой в 37 лет. Это была трагедия для мировой культуры, но об этом узнали только потом, когда искусство Ван Гога увидел свет, и миру пришлось осознать, какое достояние он потерял.

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Андрей Кутузов

Пьеса современного российского драматурга Дмитрия Данилова «Человек из Подольска» идёт сегодня по всей стране. Не исключением стал даже тарский Северный театр. В Омске до сего времени за этот текст никто не брался. Первопроходцем стал художественный руководитель Пятого театра Никита Гриншпун.

Это первая постановка Гриншпуна за долгое время. Для театралов стало приятным сюрпризом – под конец года посетить премьеру самого загадочного режиссёра Омска.

Ранее Никита Гриншпун считался приверженцем старой русской классики. Но работая в Пятом театре, режиссер экспериментирует с современной драматургией. Сначала мужской разговор для взрослых «Тестостерон» (2015), затем камерная постановка «Удар» (2016 г.) о националистических настроениях маленького городка. В течение 2017 года в Пятом театре проходила лаборатория «Режиссура без цензуры XXI век», в 2018 году царил проект «Молодые – молодым». Результатом обоих проектов стали новые постановки на сцене омского Пятого.

И снова эксперимент. Как единодушно отмечают первые зрители – более чем удачный. Спектакль «Человек из Подольска» получился ярким, интересным и уже с уверенностью можно сказать, что он станет одной из самых кассовых постановок «Пятого театра». 

Тот случай, когда все звёзды сошлись: любопытная история, интересный сюжет, хороший язык, искренняя заинтересованность артистов, скрупулезность режиссёра. Никита Гриншпун известен профессиональной дотошностью, в кулуарах рассказывают о его тщательной работе над абсолютно каждой деталью постановки.

Художник, композитор и хореограф для работы над спектаклем приехали из Москвы. Художник-постановщик Ксения Шимановская создала пространство полицейского участка лаконичное, свободное для творческого выражения стражей и с одной клеткой, уютно расположившейся по левую сторону сцены. Хореограф Наталья Шурганова поставила замечательные танцы. Не комичные и не в стиле КВН, а как могут танцевать серьёзные мужчины, тем более с аккордеоном в руках. Свой рисунок получило и музыкальное оформление спектакля, благодаря композитору Павлу Акимкину.

Над «Человеком из Подольска» работали целый год, пока спектакль не получился таким, каким хотела его видеть вся постановочная команда. И находясь в зале, опытный театрал обязательно заметит и оценит сей труд.

Человеком из Подольска по имени Коля стал новый резидент Пятого Вячеслав Болдырев. Выпускник Воронежской академии искусств Вячеслав Болдырев всего полгода назад приехал в Омск. И уже в первом сезоне для актёра – главная роль в столь долгожданной премьере. 

С задачей Вячеслав Болдырев справился замечательно. Большую часть действия его герой находится в состоянии даже не удивления, а шока. Его, приличного гражданина, редактора не популярного издания беспричинно задержали стражи порядка. Обвинений не предъявили, зато устроили допрос с пристрастием – а любит ли Коля свой родной город? Коля Подольск, оказывается, не любит, ибо, по его словам, не за что его любить. Полицейские приходят в ужас и начинают героя переубеждать. Вместо пыток – скрипка, вместо наручников – аккордеон, вместо явки с повинной – танцы, вместо физического давления – психологическое.

Сам драматург Дмитрий Данилов отказывается называть своих героев в форме идеальной полицией. По его мнению, насилие в пьесе есть, пусть и без рукоприкладства. Да и зритель каждый раз переживает за героя, ведь вокруг него наделённые властью непредсказуемые люди. И если он в очередной раз ответит невпопад, то забавное действие может перерасти в триллер.

«Я люблю абсурд», - вынуждают говорить главного героя. Все любят абсурд, находясь его свидетелями, а не участниками. Но за полтора часа «экранного времени» даже Коля из Подольска привыкает к абсурду и вливается в компанию своих новых знакомых.

Заправляет балом здесь полицейский, роль которого исполняет Евгений Фоминцев. Его герой весьма целеустремлён, он должен добиться результата любой ценой, кроме пресловутой физической силы. Первый полицейский часто срывается, уж очень неподатлив Коля из Подольска. Утешает его неразговорчивый, но уже очень музыкально образованный второй полицейский.

Егор Лябакин редко выпускает из рук инструмент. Даже на поклон артист выходит, не переставая играть на аккордеоне.

Полюбившимся героем для зрителя стал Человек из Мытищ.  Его сыграл Василий Кондрашин. Часть спектакля Человек из Мытищ проводит в клетке. Попал он сюда точно так же и, судя по всему, к Мытищам герой Кондрашина теперь относится минимум уважительно. Артист прекрасен в амплуа друга полицейских-заключённого-скрипача.

За всю прекрасную половину отчиталась Виктория Величко – полицейский в ранге капитана. Красивая, стройная, глаз не оторвать ни зрителю, ни партнёрам по сцене. Женщина-полицейский обволакивает всех своим вниманием и лаской и даже примиряет Колю из Подольска со сложившимися обстоятельствами.

Человек из Подольска есть в каждом из нас. Коля скорее не живёт, а существует. Нелюбимая работа, нелюбимая женщина, нелюбимый город, зарытый талант, неуверенное хобби, отсутствие амбиций и интереса ко всему происходящему. Маме с папой влиять на него уже поздно, а вот люди в форме и с кобурой на поясе весьма убедительны. За комедийной обёрткой, за тонким юмором и задорными танцами прячется та самая грустная мысль о том, как современный человек теряет способность выбирать себе жизнь и наслаждаться ею. Ну а город Подольск в данном контексте можно заменить практически любым регионом. Недаром зрители после поклона озвучили напрашивающиеся ассоциации с Омском.    

Автор: Ирина Чернышева. Фото: Анна Шестакова.

Лесосибирск в два раза больше Тары, но всё равно город малый. Театрам в малых городах приходится сложно. Если не «выстрелить» на фестивалях, то Россия и не заметит, что где-то «в глубинке» небольшая труппа пишет историю. Тарский театр имени Ульянова засветился и в лонг-листе «Золотой маски» и на многих фестивалях. Лесосибирск не отстаёт и в том числе так же может по праву гордиться молодыми талантами. К примеру, совсем недавно главным режиссёром Лесосибирского городского драматического театра «Поиск» стал молодой режиссер из Санкт-Петербурга, выпускник Российского государственного института сценических искусств Олег Христолюбский. На минувших выходных Омск познакомился с молодым режиссёром на ТЮЗовском фестивале «Новое время».  

Фестиваль шёл три дня. За это время прошло три мастер-класса, встреча с северными ездовыми собаками, выступление группы «Supreme Sorrow», выставка современной живописи и пять эскизов спектаклей. Одна из постановок особо приглянулась потенциальному зрителю – «Мой папа – птиц» (12+) по одноимённой пьесе Дэвида Алмонда*. Автор эскиза – Олег Христолюбский (Санкт-Петербург/Лесосибирск).  

Показ прошёл в декорационном цехе. Цеховая обстановка вместо просто интересной оказалась как нельзя более подходящей. По итогам стало ясно, что эскиз требует продолжения, зритель высказал неподдельный интерес к истории.

В центре внимания глава семейства (Тимофей Греков). Он потерял любимую жену, впал в депрессию, перестал работать и вдруг нашёл себе отдушину – стал птицем. Точнее уверился, что он птиц. О нём заботится дочка-школьница Лиззи, которая переживает за папу и, в конце концов, решает его поддержать.  

История, когда родитель и ребёнок меняются местами, а дочка утром поднимает папу с постели, смотрится одновременно и комично и печально. Девочка (Мария Овчинникова) переживает за отца и даже прогуливает школу, чтобы за ним уследить. Но мы сразу сталкивается с доброй стороной истории. Папа не просто уходит в свою птичью жизнь, он пытается поделиться ею с дочерью, рассказывая о радостях и достижениях. Ведь если папа так счастлив, почему бы и Лиззи не поверить в это счастье.  

Сюжет прекрасен. Зритель посетовал, что сделан только первый акт, ибо уже в рамках эскиза хочется увидеть продолжение. И дело не только в добром и интереснейшем сюжете, но и в новых красках для омского ТЮЗа.  

Отдельная история эскиза – его оформление и фактура, от которой, невооружённым взглядом видно, получают удовольствие сами артисты. У Лиззи и её отца белые лица и очерченными темными веками. Атмосфера эскиза напоминает сразу несколько фильмов и обязательно на ум придёт американский режиссёр Тим Бёртон. Декорации, несмотря на несценическое пространство (хотя, как известно, любое пространство может служить сценой) и формат наброска спектакля, уже раскрывают интересные задумки режиссёра. На деревянном полу болты с привязанными к ним гелиевыми красными шарами. Возможно, болты просто попались под руку в качестве якорей для шаров, но выглядело это эксклюзивной задумкой.  

Другой классной деталью стала болгарка, с помощью которой папа-птиц делает себе «обмундирование» для полётов. Выглядит очень здорово – цех, деревянный пол и Тимофей Греков в старом халате, белой майке и взъерошенными волосами, а от грохочущего инструмента летят искры. Даже эскизная сцена получилась сочной и кинематографической.  

Несмотря на короткий срок, Олег Христолюбский успел сделать рисунок к каждому персонажу. Возбуждённый от конкурса летунов Тимофей Греков – порхающий по сцене и заставляющий зрителя следить за его юркими пробежками. Его названая дочь Мария Овчинникова – перспективная молодая актриса, чьё мастерство растёт с каждым спектаклем. Чувствуется, что Мария очень плодотворно работает над собой.  

Дмитрия Керна только недавно оторвали от ролей принцев и прочих сладких мальчиков, что пошло только на пользу актёру. После несостоявшегося спектакля «Гамлет» Дмитрий Керн заметно возмужал и научился привлекать режиссёром своим новым характером. Харизматичным негодяем Керн выглядит в спектакле «Возвращение домой», а в эскизе «Мой папа – птиц» Олег Христолюбский увидел в актёре персонажа, объявляющего конкурс летунов. С улыбкой Джокера, в красных перчатках, с атласным кровавым платком на шее, бархатном жилете и темном пиджаке герой Мистер Пуп становится ярким пятном истории. И если в рассказе этот персонаж – кругленький господин, облизывающий карандаш, то стройный и даже изящный (благодаря костюму) образ Керна выглядит поистине зловещим. Особой остроты добавляют бинты на глазах Пупа и завлекающие, плетущие паутину, движения.   

Немного предсказуемым стал образ тётушки Лиззи. На сцену стремительно вышла София Федоровская в образе будто бы британской актрисы Хелены Бонем Картер. Замысловатая причёска, превращающая волосы в хаос, черная юбка, широкие рукава и размахивающая рука с мундштуком. Федоровская вместе с собой вытащила на сцену мюзикл Суини Тодд (даже мука пошла в ход на деревянном столе), что выглядит, конечно, очень вкусно, но слишком шаблонно. Впрочем, режиссёр пояснил, что шаблонности досталось место лишь от нехватки времени на постановку. А, безусловно, образ Картер, ввиду всей картинки эскиза, напрашивался на рисунок героини.  

Напомним, что Арт-фестиваль «Новое время» впервые прошёл в прошлом году. По итогам фестиваля в репертуар ТЮЗа вошло три спектакля «Дневник Евы» (режиссёры Олег и Лариса Чичко), «У ковчега в восемь» (режиссёр Тимофей Греков) и «Возвращение домой» (режиссёр Максим Пешин). Хочется надеяться, что эскиз «Мой папа – птиц» также перерастёт в полноценную постановку. Уже сейчас ясно, что задумка молодого и талантливого режиссёра привлечёт в омский ТЮЗ новую волну зрителя и освежит ныне существующий репертуар.  

*Дэвид Алмонд известен во всем мире: он лауреат Международной премии Андерсена («Нобелевки» детской литературы) и престижных британских литературных премий, а главное — он автор повестей и пьес для детей и подростков, написанных в уникальном жанре магического реализма.

Автор: Ирина Чернышева.