В Лицейском театре состоялась премьера спектакля «Король Лир» по одноименной пьесе Уильяма Шекспира, написанной в 1605 году.

Новосибирский режиссер Юрий Митякин, приглашенный в театр для постановки «Лира», в Лицейском -  не новичок.  Два года назад на  сцене лицеистов  режиссер поставил другого «короля» по сказке Карло Гоцци –  «Короля - Оленя».  И вот новая работа – отчасти необычное прочтение старейшей шекспировской пьесы. Спектакль решен как скандинавская легенда. И это не Шекспир с вензелями, а более  суровая история. Время  викингов, эпоха скандинавского эпоса. По мнению режиссера, многие произведения Шекспира,  в том числе и «Король Лир»,  берут свои корни из скандинавских  легенд.

За литературную основу спектакля Юрий Митякин взял перевод Бориса Пастернака.  Немного отредактировал, сократил в некоторых местах и внес небольшие изменения. Например, строчка «Клянусь Юпитером!» заменена возгласом о скандинавских богах. Скандинавская стилистика просматривается и в оформлении спектакля.   Художник  Марина Шипова при помощи деталей уводит историю Короля Лира от реалий времен Шекспира. Символика скандинавов в спектакле Лицейского театра присутствует во всем. Под скандинавский образ  стилизованы костюмы: капюшоны, накидки, короны из ветвей. В качестве грима  использована краска для лица. Шевелюре Лира придана благородная седина. Мужчины предстают с длинными волосами, что во времена викингов означало победу во всех войнах. Тела украшены татуировками, которые в IX веке – а именно в эту эпоху погружает своих героев режиссер - несли в себе определенный смысл. Обувь тоже разнообразна – сапоги, обмотки, а кто-то вышел на сцену и босиком.

Музыка играет большую роль в новом спектакле. Барабаны, этнические инструменты  создают ритм, ведь у  скандинавов все было подчинено темпу. Этим  самым музыканты внесли свои «правки» в шекспировский текст, они написали иллюстративную музыку к спектаклю. Калачинская сканди-фолк группа Nytt Land известна во всём мире. Ее композиции  Юрий Митякин обнаружил в интернете. Прислушался и понял: это то, что нужно. А вскоре ребята сами вышли на режиссера с предложением о сотрудничестве. Интересы совпали.

Исполнитель главной роли Короля Лира артист Алексей Осипов перевоплощается в своего героя не только внешне, но и внутренне. Он - старик. Неуравновешенный, взбалмошный, уверовавший в свою власть и непогрешимость. И это уже не король, а его тень. Все обязаны подчиняться и лелеять. И в первую очередь, дочери. Но, как известно, яблоко от яблони... И это логично. А как иначе могут  относиться дети к отцу,  который опускает пред ними портки? Две  дочери Лира  - Гонерилья (Наталья Виташевская) и Регана (Дарья Оклей) открыто издеваются над отцом, третья, Корделия (Анна Новоселова), обвиненная в неискренности, не перестает его любить и быть переданной.  

Оклеветанный Эдгар (Евгений Хохлов) кричит про свою беду, в надежде, что граф Глостер, отец, его услышит. Но оба родителя – и Лир, и Глостер (Евгений Точилов)  – остаются глухи и слепы до тех пор, пока не становится слишком поздно. Нет связи между отцами и детьми, есть духовная пропасть между ними.

Артист Иван Пермяков нашел в своем Эдмонде, незаконнорожденном сыне Глостера,  какие-то крохи человечности. Его герой – это не стопроцентное воплощение зла, а сплетение одиночества и обид, приведшее к коварным поступкам. Его брат Эдгар - законнорожденный, оттого и успешный, и лишенный внутренних комплексов. В исполнении Евгения Хохлова он прост и доверчив.

Кент (Евгений Трубкин) был изгнан королем, но потом все-равно вернулся к нему. Главная его черта - правдивость, а главная фраза  - «служить». Таков ответ Кента на вопрос Лира, чего он хочет. В этом вся суть Кента: служить, но не прислуживать.

Шут Фаризы Баткиной – то ли мужчина, то ли женщина. К образу часто обращаются, как к парню. В нем (или в ней) заключена та дьявольская правда, которую не хочет слышать Лир. И по сути,  Шут - это внутренне состояние Лира на последнем этапе жизни.

Сценография спектакля отличается большим минимализмом, что на небольшой сцене Лицейского театра смотрится очень органично. В качестве декоративных элементов на сцене вывешены  штандарты с символами скандинавских богов. Висящие сверху канаты - как петли, которые вот-вот дождутся своих жертв.  В постановке использованы табуреты, которые превращаются во что угодно – и в болотные островки, и в деревянные  кандалы, и в  величественный трон Короля Лира, и в плаху.

Спектакль  «Король Лир» в постановке  Юрия Митякина  - стильный и атмосферный. Последняя сцена спектакля, в которой  Лир остаётся со своими мёртвыми дочерьми, пронзительна и глубока по смыслу:  страсти утихли, смерть примирила всех.

Маргарита Зиангирова

Омский театр «Галерка» выпустил премьеру, жанр которой необычен для театральной сцены. Зрители увидели драматический трактат «О справедливости» по мотивам романа Ф.М. Достоевского «Преступление и наказание».

Спектакль поставил Егор Витько, завершающий обучение в режиссерской мастерской народного артиста России Александра Галибина в ГИТИСе. Его прошлые постановки – «Мастер и Маргарита», «Бесприданница», «Женитьба Бальзаминова» – эффектны по форме, объединяют разные средства выразительности. В новом спектакле режиссер пошел по пути внешнего минимализма. Совместно с художником Светланой Пузыревой им создан строгий визуальный ряд: черный кабинет с монохромным интерьером, лестницей «в никуда» и лаконичным освещением. Хочется назвать это пространство кафкианским – в силу его холодной мрачности, условности и соотнесенности не столько с бытом, сколько с внутренним миром персонажей.

Кажется, что, работая над инсценировкой романа, Егор Витько сосредоточился прежде всего на мотивах преступления Раскольникова, на природе его душевных искажений. Постановка состоит из эпизодов, в которых под разными углами исследуются убеждения главного героя. По большей части это диалоги Раскольникова с другими персонажами, в которых то логически, то чувственно развенчивается идея о «право имеющих» пролить кровь ради высокой цели. А ближе к финалу Раскольников как будто становится сам для себя оппонентом. События, произошедшие с Родионом Романовичем, в спектакле ушли на второй план, на первом – его внутренние переживания и работа сознания.

Помимо Раскольникова, на протяжении всего спектакля на сцене находятся Соня, Дуня, Разумихин, Порфирий Петрович, Свидригайлов и еще один персонаж, названный в программке Петром Степановичем. Это имя режиссер дал безымянному герою «Преступления и наказания» – студенту, чей разговор с офицером случайно слышит Раскольников (и эта беседа утверждает его в намерении совершить преступление ради «тысячи добрых дел»). По признанию Егора Витько, так он хотел провести параллель между студентом и другим «провокатором» – Петром Степановичем Верховенским из романа «Бесы» Достоевского. В спектакле студент, роль которого исполняет Василий Анохин, напрямую обращается к Раскольникову: уверяет в пользе убийства ничтожной старушонки, вкладывает в руки топор. Для того, чтобы эта аналогия с «Бесами» зазвучала в полной мере, герою В. Анохина пока не достает зловещей, лукавой многоликости Верховенского. Студент больше похож на плод болезненного воображения Раскольникова или одного из его приятелей-сверстников, на досуге обсуждающих «модную» идею достижения общественного блага.

Как бы ни было, такое начало спектакля наводит на мысль, что одна из основных причин преступления по версии режиссера – это заражение Раскольникова деструктивными убеждениями. В другой сцене герой объясняет Порфирию Петровичу и Разумихину суть своей статьи про необыкновенных людей, которым «по совести» разрешается проливать чужую кровь, и обыкновенных, то есть человеческий «материал» (сложно не вспомнить современное циничное слово «биомусор»). Это идеи, в которых справедливость соотносится не с понятиями совести и милосердия, а с понятиями материальной пользы и комфорта. И не раз в этой беседе звучат слова о том, что мысли, изложенные Родионом Романовичем, не новы. Они витают в воздухе, для кого-то оставаясь праздным разговором, а для кого-то, быть может, являясь руководством к действию… В этой сцене любопытна работа Александра Хитрова – следователя Порфирия с вкрадчивым, проницательным взглядом и уверенной улыбкой. Он создает образ человека, который, имея тайную цель, не просто провоцирует Раскольникова, но подталкивает его к частичному переосмыслению позиции. Подходящая для роли Разумихина природа у Андрея Карагодина: внешняя мягкость, цельность, несуетность движений. Но пока он словно бы чересчур отстранён при виде того, как его друг, не шутя, раскрывает свою больную антигуманными идеями душу.

Роль Раскольникова исполняет Евгений Власов, эту актерскую работу можно назвать точным попаданием в образ неврастеника с болезненным самосознанием. Перед зрителями человек незаурядных способностей и устремлений, слишком им переоцененных, что само по себе трагично для амбициозного молодого героя. Длинные монологи Раскольникова звучат энергично, он объясняется жёстко, увлеченно и озлобленно. Но сталкивается с последовательным разрушением своей системы аргументов, оправдывающих право необыкновенных личностей на преступление во имя «математической» справедливости. И сильнее всего разрушает эти аргументы Соня с ее представлением об иной справедливости, Божественной: «Да ведь я божьего промысла знать не могу... И кто меня тут судьей поставил: кому жить, кому не жить?» Для этого сложного диалога актрисой Натальей Сухоносовой найдена убедительная интонация. Соня выглядит как надломленный и, скорее всего, действительно обреченный на тяжелую судьбу человек, но – с живой, распахнутой для сострадания душой. Признаваясь в совершенном убийстве и своих мыслях, Раскольников вжимается в угол, отворачивается от Сони, как испытывающий стыд ребенок. В этой страдальческой одинокости он все еще пытается ухватиться хоть за какое-то оправдание своим поступкам, сохраняя презрение к миру. И хорошо, что в спектакле нет идеалистического преображения героя, но показано, что это мучительный, громадный для души человека процесс.

Немного странным казалось в начале спектакле присутствие в хоре героев Дуни и Свидригайлова. Но диалог Раскольникова со Свидригайловым считывается как финальный, необходимый этап разочарования главного героя в своих идеях. Свидригайлов, возможно, как раз тот человек, который «посмеет наклониться и взять власть», он способен договориться с совестью ради своих желаний. И, наверное, для того чтобы решиться на публичное признание в преступлении, герою нужно было увидеть Свидригайлова, не имеющего причин в чем-либо «себя сдерживать», и испытать отвращение. Пожалуй, эта первая работа, где у актера Дениса Артеева появилась возможность раскрыться в качестве сложного отрицательного героя, в котором соединились надменность, насмешливость и глубокая страсть – добиться желаемого или отказаться от жизни. Напряженной стала сцена, в которой Свидригайлов предлагает Дуне сделку. В созданном актрисой Кристиной Салангиной характере сочетаются хрупкая женственность и сила страшной решимости. Она не выглядит однозначно положительной героиней, так получилось, что этот эпизод высветил в ней страстную протестную суть, которая роднит ее с братом. 

В спектакле «Преступление и наказание» зрители не увидят стройного изложения сюжета романа. Для тех, кто книгу не читал, есть возможность догадаться о происходящем по тому, о чем говорят действующие лица. В любом случае постановка «Галерки» очень интересна тем, как глубоко исследован внутренний мир одного из знаковых героев русской литературы, и тем, как психологически подробно, вовлеченно работают артисты.

Анна Зернова

На сцену драматического театра «Галерка» вернулся спектакль «Прощание в июне» по пьесе Александра Вампилова. Первое обращение к этой комедии состоялось 20 лет назад.

За свою историю театр поставил все пьесы драматурга, однако спектакли пришлось «заморозить» по техническим причинам. Но художественный руководитель коллектива, режиссер постановки Владимир Витько мечтал, что когда-нибудь слово любимого писателя зазвучит уже в обновленном зале «Галерки», и 28 апреля это произошло.

Конечно, премьера не стала абсолютным повтором спектакля прошлых лет: обновился актерский состав, заново создана сценография, доминантой которой является цветущая сирень, яркая зелень природы – как символ молодости, избытка чувств и жизненных сил. Благодаря лаконичным деталям угадывается атмосфера советской эпохи: тумба с афишами кинолент «Волга-Волга» и «Брильянтовая рука», упоминания профсоюзов и комсомольцев, музыка и наряды 60-70-х. Но сложно не почувствовать, что история, созданная Вампиловым, словно «парит» над приметами времени, и ностальгический флер в спектакле соединяется с внутренней, не привязанной к быту правдой жизни. Ведь молодые люди любой эпохи проживают столкновение с требованиями другой – взрослой – реальности. И это столкновение блестяще, глубоко описано Вампиловым: влюбленность 19-летней Тани, конфликт студента Колесова с ее отцом – ректором университета, студенческая свадьба с неожиданным финалом… И другие события, через которые показана многогранность отношений молодого человека с миром: с друзьями, соперниками, любимыми, с родителями.

Кажется, что именно отношения как таковые, отношения, проходящие проверку любовью, и стали тканью спектакля Владимира Витько. Режиссером создана масса точных деталей, мелких подробностей, в которых проявляются все персонажи комедии. Даже второстепенные Красавица (Валентина Неклюдова) и Веселый (Александр Хитров) в одной только сцене свадьбы проживают на втором плане свою историю сближения – от флирта до следов помады на щеке, и сделано это ненавязчиво и с юмором. А в это время на первом плане нарастает напряжение между молодоженами Букиным (Дмитрий Цепкин) и Машей (Екатерина Латыпова), между Машей и странным, слишком громким и резким, но вызывающим сочувствие Гомырой, другом жениха в исполнении Василия Анохина.

Даже одна деталь здесь может вызвать и добрый смех над ситуацией, и ее понимание: так, Комсорг (Алина Бауэр) поздравляет Машу со свадьбой, начиная с торжественно-официальной интонации и заканчивая рыданиями. Видно, как рада она за Машу, но как хотела бы тоже стать поскорее невестой – до слез. Характеры безымянных Серьезного (Сергей Кривцов), Строгой (Анастасия Смычек), Милиционера (Сергей Климов) тоже обозначены ярко и с юмором буквально несколькими штрихами.

Главные герои пьес Вампилова – это часто люди очень незаурядные. Они харизматичны, обаятельны, но при этом словно бессознательно прощупывают границы своего «я», то вдохновляя других, то ошпаривая их нахальством и порой даже низостью. Таков и Николай Колесов, роль которого исполняет молодой актер театра Антон Уилер. Способный студент, рискующий быть отчисленным из вуза, становится перед выбором: променять ли любовь к девушке на заветный диплом? Молодой актер убедительно показывает артистичную, азартную натуру Николая, но в образе пока еще недостает масштаба личности. Ведь Колесов для одних проходимец и хам, для других душа компании, для Тани (Кристина Салангина) – человек, на которого она смотрит с обожанием. Очевидно, что в нем есть привлекающие других полётность, непосредственность, чувство собственного достоинства. Поэтому хочется немного яснее понимать, каково герою ломать свои нравственные основы в пользу сухого расчёта, видя при этом перед собой безоглядную, полную наивных надежд улыбку Тани? А тут еще и разворачивающаяся у него на глазах история Золотуева, колоритно сыгранного Павлом Кондрашиным, которая свидетельствует жестко и неотвратимо: в мире есть то, что невозможно купить. Ни за какую цену.   

Конфликт «благоразумия», расчета и «дикости» как следования чувствам здесь и сейчас – главный нерв спектакля. И ярче всего он проявился в отношениях Букина и его соперника, поклонника Маши – Фролова (Павел Овчинников). Импульсивная, косноязычная рефлексия Букина, которого зовут шутом и неврастеником, очень трогательна, несмотря на безумие его порыва стреляться с «правильным», благоразумным Фроловым. Небольшая роль Дмитрия Цепкина весьма интересна этой проявленной внутренней сложностью казалась бы простого персонажа – студента-геолога, которого любовь заносит в крайности.

Тонко выстроена линия отношений родителей Тани: поняв, что дочь влюблена, мать (Ольга Лаврентьева) становится на сторону «проходимца» Колесова вопреки мнению мужа. Постепенно Репниковы словно меняются местами: тихая, «всем довольная» жена начинает управлять прежде авторитетным мужем. Ольга Лаврентьева и Сергей Дряхлов работают точно и напряженно. У них всего две совместные сцены, а виден целый спектр чувств и реакций: неуверенность властного мужчины, решительность женщины, уступки, принятие... Благодаря достоверности и непосредственности проживания, отношения Репниковых, треугольник Букина, Фролова и Маши не выглядят второстепенными на фоне любви Тани и Колесова.

Вся эта сложность отношений в спектакле «Прощание в июне» показана с легкостью: спектакль поделен на короткие сцены затемнениями, музыка советской эпохи помогает сохранить чувство отстранённости от происходящего на сцене. Герои не увязаны в быте и психологизме – иногда, как и в жизни, ситуации решаются абсурдно, парадоксально, рождая смех в зале. Но актуальность проблематики видна очень четко: взять от жизни все вряд ли возможно, если придется выбирать – возьми любовь и не предай себя и ближнего. А если ошибся, используй шанс на прощение, ведь это один из прекраснейших даров юности – возможность многое исправить и извинить.

Анна Зернова

- Роман ведь в 19-м веке написан. А как они танцуют? - возмущался юный зритель, выходя с премьерного спектакля ТЮЗа «Герой нашего времени». Да, если вы хотите погрузиться в 19-й век, то не стоит ходить на этот спектакль. А если хотите почувствовать, как актуален Лермонтов, то вам — сюда. Это точно не историческая реконструкция. А что же? Немного приоткрою, что ждёт зрителей.

Спектакль ещё не начался, а в зрительном зале — полумрак, слышится завывание метели, по сцене (занавес открыт) вьются клубы тумана.... В ощущение тревоги нас погружают ещё до 3-го звонка. О 19-м веке напоминает лишь старинный письменный стол в правой стороне авансцены, почти в зрительном зале. На нём - десятка два гусиных перьев в чернильницах. В центре — микрофонные стойки, в глубине сцены - «рокерский» набор инструментов: гитары, ударные...

Но вот и третий звонок прозвучал. На сцену под вполне себе современную музыку начинают выходить актёры. Первым идёт парень со старинным подсвечником в руках, но... в кожаной «косухе» (он и окажется Печориным). И остальные - в худи, футболках, кроссовках. На футболках — «непарадный» портрет Лермонтова, сделанный его однополчанином после сражения: он в помятой фуражке, без эполет. Все вместе бодро отплясывают. Становится понятно: нам предлагают игру в Лермонтова. С песнями, танцами, переодеваниями.

Жанр спектакля режиссер Андрей Опарин определил как «драматический концерт». Концерт этот очень разнообразен: есть и драматические номера, и пластические, и танцевальные, и, конечно, вокальные. Стихи Лермонтова, оказывается, прекрасны в стиле рок-музыки. А как в финале звучит «Выхожу один я на дорогу» на самую известную мелодию Гершвина в мастерском исполнении Марии Степановой! Оказывается, Лермонтов — это ещё и джаз!

Некоторые сцены напоминают рэп-баттл: скажем, так Печорин (Михаил Климов) и Максим Максимыч (Владимир Крутов) заключают пари о том, будет ли Бэла принадлежать Печорину. Диалог идет у микрофонов, реплики больше декламируются, чем проживаются — ведь это баттл. Так же, у микрофонов, соперничают Печорин и Грушницкий (Димитрий Пономарёв), резонёром в их споре становится доктор Вернер (Виталий Сосой). А в шашки Печорин и Вернер играют... шашками наголо: их словесные дуэли сопровождаются фехтованием. Разрушительный дух соперничества владеет героем, но он же обрекает его на одиночество.

Как же соединяются столь разнородные элементы этого «концерта»? Здесь есть голос Пророка (Сергей Зубенко), который поднимает происходящее над обыденностью, становится глашатаем Судьбы, той неизбежности, что сродни античной трагедии. А есть комический персонаж: профессор-экскурсовод (Кирилл Соколовский) в доме-музее Лермонтова, шепелявый очкарик с накладным отвисшим пузцом. Он рассказывает и про письменный стол, за которым поэт «писал кровью», и даже про ванну, где он лежал в кипятке — так горяча была его кровь. А когда ухаживания Печорина за дамами становятся слишком откровенными, напоминает ему, что люди по Пушкинской карте пришли, так что лишнего тут не надо...

Да и самого поэта мы видим (Иван Павлов), правда, в детстве. Заботливая бабушка (Лариса Чичко) мучает внука воспитательными беседами, называя его... Гришенькой. Родители поэта (Мария Степанова и Евгений Сухотерин) существуют для мальчика лишь как мечта, воплощенная музыкально-поэтически. Евгений Сухотерин — с гитарой и... в килте (да-да, ведь дальний предок Лермонтова — шотландец Лерман, уверяют нас), воплощает лермонтовские стихи в рок-манере. А вокал Марии Степановой — это море безусловной любви.

Бабушка, увы, всё больше требует от внука соответствовать её ожиданиям. Мишенькой он станет для неё только после смерти. А пока нас убеждают в том, что Печорин — и есть Лермонтов. Согласился бы с этим сам Михаил Юрьевич? Не уверена, ведь он стремился создать образ типичного человека своего времени, во всяком случае, декларировал это: «Герой Нашего Времени, милостивые государи мои, точно портрет, но не одного человека: это портрет, составленный из пороков всего нашего поколения, в полном их развитии».

А получился портрет вне времени. Во всяком случае, в спектакле. Не случайно ведь лермонтовские строки легко соединяются здесь с поэзией наших современников. Это во время антракта доказывает Виталий Сосой. Он выходит на сцену, вроде бы, подстроить микрофоны, но, видя, что есть зрители, которые остались в зале, заводит с ними беседу. Мог бы Лермонтов встретиться «Там», например, с Егором Летовым? Он командует куда-то вверх, в радиорубку: «Давай Летова», - и начинает читать «Люблю отчизну я, но странною любовью, не победит её рассудок мой,,,», и тут же звучит летовское: «Слышу, как поёт моя великая Родина. Снова поднимается с колен моя Родина». А перед третьим звонком рок-группа ТЮЗовских музыкантов исполняет ещё и хит группы «Ноль», где тоже - о странной любви к родине: «Как ненавижу, так люблю свою родину. (…) Ну а любить-то мне больше и нечего».

Вот такой «концерт», наполненный высоким и низким, трагическим и смешным. Но трагедия здесь побеждает комедию. Не случайно в конце наш профессор отбрасывает очки, толщинку и шепелявость, читая «Валерик»: «А перевесть на ваш язык, так будет речка смерти»... Собственно, Смерть (Полина Романова) всё время преследует героев, осыпая пеплом тлена то Бэлу, то Грушницкого, то фаталиста Вулича, а потом - и Печорина... Но душа поэта, как сказал его великий предшественник , "тленья убежит", в чём мы и убеждаемся.

Материал был опубликован на сайте ИА "ВОмске". 

Елена Петрова

На сцене Омского ТЮЗа состоялась премьера, после которой возникает вопрос: художественное руководство театра лично знакомо с произведениями, которые изучаются в рамках школьной программы по литературе?

Режиссер театра «Молодой человек» из Ижевска Андрей Опарин выпустил  здесь драматический концерт «Герой нашего времени». На афише театр ставит имя Лермонтова, но мы практически не слышим со сцены текста романа Михаила Юрьевича. Это не значит, что герои на сцене молчаливы – нет. Диалоги сменяются монологическими признаниями героев. Печорин, Вернер, Мэри, княгиня Лиговская и даже Бэла вполне могли бы стать участниками шоу Первого канала «Пусть говорят». Молодой драматург Екатерина Гузёма, обозначенная в программке всего лишь автором инсценировки, предлагает нам свою версию событий, произошедших с Печориным, не только придумывая реплики героев, но легко меняя сам сюжет произведения Лермонтова. По факту это не инсценировка, а самостоятельная пьеса по мотивам романа Лермонтова.

Нас всех приучили, что режиссер имеет право очень вольно обращаться с литературным текстом. Но выдавать за текст отечественного классика произведение современного литератора? Подозреваю, что в области переводной литературы все понятия об авторстве уже давно смешались.

Впрочем, несколько фрагментов из романа зрители все-таки услышат, как и фрагментов лирики Михаила Юрьевича.

Андрей Опарин решил не останавливаться перед загадкой Печорина, и смело вскрыть ее, прибегнув к методу биографического литературоведения. Таким образом, у Гришиньки и у Мишиньки (Печорина и Лермонтова) возникает общая бабушка, папа в шотландской юбке и мама - певица (здесь практически оперная дива). Разгадывать эту загадку нам помогает профессор Быков, на наших глазах превращающийся из фрикового чудаковатого интеллектуала в статного молодца, то ли под магическим действием стихотворения Лермонтова «Валерик», то ли от приближения готической красавицы, в программке обозначенной как Смерть. У Лермонтова Печорин признается, что есть «минуты, когда я понимаю Вампира». Кажется, что в спектакле эти минуты превращены в вечность: на сценической площадке создана тревожащая душу и удушающая  атмосфера готического романа, подрываемая фриковым поведением профессора.

Еще один персонаж из программки Пророк вознесен в сценическом пространстве над другими, но ты его практически не замечаешь, так как он буквально слит с черной одеждой сцены.  Он читает истины Екклесиаста, мерно и постоянно комментируя своими стихами сюжет происходящего на сцене.

В спектакле также находится место песне группы «Ноль», стихам песни группы «Зоопарк» и композиции Дениса Стельмаха «Аист». Последняя связана с присутствием на сцене гигантского младенца со светящимся взором, в ней говорится о пребывании человека в утробе матери. На мой взгляд, она и является неким ключом к этой прихотливой сценической композиции Андрея Опарина, являющейся почти буквальной иллюстрацией затухания счастья (выражение деда Дениса Стельмаха), навязчиво напоминающей зрителю, что всё суета сует и что любой бал будет призрачным. Во время просмотра этого фантасмагорического сценического действа вспоминается Сергей Курехин и его концерты-перфомансы «Поп-механика».

Но если изначально Андрей Опарин (и/или Екатерина Гузёма) хотели явить нам свой авторский спектакль, почему честно не приглашать на это публику? Да, скорее всего в зрительный зал не пришло бы столько школьников по Пушкинской карте, но вряд ли они способны как-то разобраться в их прихотливой посмодернистской конструкции, источники которой театр даже не указывает в программке. Считать себя последователем и даже наследником Лермонтова не значит быть Михаилом Юрьевичем. При уважительном отношении к классику создателям спектакля следовало бы придумать для него другое название, как сделал Роман Габриа в Академическом театре драмы при работе с пьесой Уильямса. Но уважительное отношение сегодня не в приоритете у молодых художников, ведь с такой позицией стремительно не прославишься.  В 2012 году выставка иных икон «Духовная брань» в галерее Марата Гельмана сразу выделила Евгению Мальцеву (художник-постановщик спектакля) из длинной вереницы молодых талантливых художников.

А пока на наших глазах в Омске разворачивается актуальный перфоманс, когда под видом «Героя нашего времени» М.Ю. Лермонтова в программу «Пушкинская карта» включен «Герой нашего времени» Екатерины Гузёмы и Андрея Опарина. 

Анастасия Толмачева,

главный специалист Омского регионального отделения СТД РФ

Джон Стейнбек. «О мышах и людях». Сцены из одноименной повести в двух частях. Омский академический театр драмы. Автор инсценировки и режиссер Георгий Цхвирава. Премьера состоялась 20 декабря 2022 года.

Произведение написано на основе личного опыта автора повести  и отражает годы, названные историками и экономистами Великой депрессией в США. Название произведения  взято из стихотворения Роберта Бернса «К полевой мыши, разоренной моим плугом» в переводе М.Михайлова.   

Это вторая инсценировка повести американского писателя, лауреата Нобелевской премии Джона Стейнбека в Омской драме за последние 30 лет. Премьера первого спектакля в постановке Вячеслава Гвоздкова состоялась в 1995 году. Спектакль шел 13 лет и был сыгран 150 раз. Роли исполняли ведущие актеры труппы тех лет Моисей Василиади, Евгений Смирнов, Михаил Окунев и  молодые  артисты Владимир Девятков, Олег Теплоухов, Руслан Шапорин, Владислав Пузырников. 

Поясняя основную тему премьерной постановки  "О мышах и людях"  2022 года, режиссер-постановщик  Георгий Цхвирава  говорит, что ее  определяет цитата из самой повести : «Я видел сотни людей, которые приходили по дороге на ранчо с пожитками за спиной и с такой же ерундой, как у вас, в головах. Они приходят, а потом идут дальше и каждый хочет маленький клочок земли. … Это как с небесами: никто никогда не попадет на небеса, и никто не получит никакой, блин, земли обетованной. Все это есть только в мечтах».

Джордж Милтон (арт.Игорь Костин) и Ленни-Малыш (арт. Иван Курамов) в поисках лучшей доли оказываются на ранчо, где еще несколько таких же, как они,  горемык прожигают свои жизни в тяжком труде за мизерную плату. И у всех есть надежда -  в один прекрасный день вырваться из этой ржавой клетки и оказаться на «земле обетованной». Она у каждого своя, эта земля. У Джорджа и Ленни имеет вид небольшого уютного дома с хозяйственными постройками и земельным участком. Куры, коровы, кролики, фруктовый сад, щедрый огород. По просьбе своего психически нездорового друга, Джордж изо дня в день пересказывает  эту сказку, которую в меру своих сил пытается превратить в быль: друзья начинают копить центы. К ним примыкает Огрызок (арт. Виктор Черноскутов) – несчастный, с умирающей собакой на руках. Это единственное близкое существо Огрызок не отпускает ни на миг и, как свою, принимает чужую мечту о счастье. Вторя Джорджу и Ленни, он начинает рассказывать окружающим о кроликах – животных, которые стали в спектакле символом некого покоя, домашнего уюта, обретенного благополучия. Ленни-Малыш мечтает о кроликах, как о чем-то мягком и пушистом, о том, что можно всегда погладить. При его болезни это успокаивает. Огрызок хочет нормальной человеческой жизни. Джордж, самый молодой и оптимистичный, уверен, что ранчо – это временный этап в его жизни, трамплин, с которого можно допрыгнуть не только до заветных «кроликов», но и до звезд. Он, пожалуй, единственный на ранчо, кто не заражен вирусом цинизма и в ком живет сострадание к ближнему.  

Отшельником выглядит среди обитателей ранчо Конюх-горбун (арт. Артем Ильин). Этот темнокожий  рабочий  по законам, царившим тогда в Америке, не имеет права жить в одном помещении с людьми «высшей расы». Но даже ему, гонимому ото всюду, кроме плантаций, завидуют обитатели ранчо, а Огрызок, впервые попав в каморку горбуна, находит ее уютной. Одиночество делает конюха терпимым и сострадающим больному Ленни-Малышу, которому в порыве нежности и от переизбытка сил, что мышь придушить, что щенка – все едино. Чем-то жилище конюха-горбуна напоминает исповедальню, где, сидя на ящиках, Огрызок и Ленни делятся своими мечтами о кроликах, но умудренный жизнью  темнокожий говорит, что слышал такого  не мало… Конюх – как истинный  мудрец – смотрит на мир без розовых очков.

Есть в спектакле образ, который призван, если не оправдать жизнь обитателей ранчо, то хотя бы объяснить ее, ведь циниками, убийцами и девушками легкого поведения  не рождаются. Образ жены Кудряша (арт. Наталия Запивохина), управляющего ранчо, красной нить - возможно, поэтому и героиня облачена в алое платье - проходит через весь спектакль. Свою судьбу жена Кудряша рассказывает в каморке-исповедальне горбуна. Ее несчастная жизнь, в которой есть дом, достаток, истеричный муж, обликом напоминающий Фантомаса, но есть и преданная однажды мечта, - все это в диссонансе приводит женщину на панель. Это, пожалуй, самый трагический образ в спектакле и, если бы он создавался не только  внешним рисунком роли, то тогда бы зритель увидел не типаж наших дней, а изломанную человеческую жизнь, которой нужно сострадать.

В финале спектакля Ленни-Малыш, одновременно вызывающий страх и  жалость,  восхищаясь шелковистыми волосами жены Кудряша, душит ее. По законам толпы ему грозит суд Линча. Джордж спасает  своего друга от такой участи, пустив ему пулю в затылок - и все это на фоне рассказа о сказочном будущем с кроликами на лужайке. Даже в последние минуты жизни Джордж дарит Ленни мечту.  Наверное, хорошо иметь такого друга.

  Маргарита Зиангирова

Фотографии Андрея Кудрявцева.

Омский театр куклы, актера, маски «Арлекин» традиционно закончил свой театральный сезон интересной премьерой. В прошлом году в разгар июля зрителей удивляли заснеженной сказкой и настоящим снегом в реквизиторской сумке главного героя в спектакле «Снеговик-почтовик». В этом году зрителям показали трогательную историю о дружбе, любви и таких простых чудесах вокруг нас. Спектакль «Кот и Мурлик» займет достойное место в репертуаре театра.

У премьеры есть своя предыстория. Мини-версию спектакля актриса «Арлекина» Наталья Войдак поставила ещё в начале сезона в рамках театральной лаборатории «Inside/Изнутри». Постановочный эскиз получил высокую оценку экспертов лаборатории, и лирическую историю Кота и Мурлика решено было представить зрителям в качестве полноценного спектакля. Литературной основой для постановки стала одноимённая книга известного писателя и сценариста Юрия Бурносова и его жены, художницы Татьяны Глущенко.

Для художественного решения спектакля пригласили известного омского театрального художника Сергея Федоричева. Мастеру предстояла сложная задача, ведь на эскизе уже была представлена основная часть сценографии – ящик-домик для кота, вокруг которого идет действие, и образы главных героев. «Черновой» вариант постановки оказался настолько хорош, что его было решено не менять. Сергей Федоричев со всей деликатностью, не игнорируя первоначальных задумок режиссера, лишь обогатил сцену, добавив механизмы для тех самых простых чудес и усовершенствовав костюмы персонажей.

На сцене двое – мурлик по имени Фирс и кот. Фирс доверительно и робко поясняет, что у каждого мурлика должен быть свой кот, и предлагает второму герою стать его котом. И тот вроде согласен попробовать, но действует своенравно, очень осторожно впуская Фирса в свою жизнь. Оба персонажа одинокие и будто кем-то брошенные, потому что мурлик не может улыбаться, а кот разучился мурчать. Как и положено в хорошей сказке, благодаря заботе друг друга герои обретают мирную счастливую жизнь вместе.

И всё это на фоне очень простых радостей – поплавать на лодке, потанцевать под дождем, встретить рассвет, поиграть и, конечно, поговорить. Так, в ходе начинающейся дружбы кот начинает беречь страхи мурлика, а мурлик в свою очередь понимает, что его могут любить – просто так, ни за что. Эта мысль изящно подается зрителю. И тут стоит заметить, что, несмотря на возрастной рейтинг в 6+, спектакль вовсе не выглядит детским. Простым языком,  трогательно и проникновенно, персонажи ведают о страхах и одиночестве людей, которые не верят, что их можно любить и ценить. Детей, скорее, заинтересуют «фишечки», придуманные режиссером и художником. Совершенно неожиданно в распахнутом плаще Фирса вдруг появляется луна. В другой мизансцене зонтиком создается игра света и тени в полумраке зрительского зала. Или в очень волнительный момент, когда герои чуть не потеряли друг друга, нам показывают ужасы подводного мира с помощью черного плотного полиэтилена. Или когда капли дождя попадают и на зрителя тоже, вызывая ощущение сопричастности. Все это чрезвычайно завораживает и ребенка, и взрослого.

Ещё одним интересным элементом сценографии становится бревно, по которому плывут бумажный кораблик, потерявшаяся калоша и даже облачка. Да и в целом, несмотря на лаконичность пространства, на сцене постоянно что-то движется, сияет, живет. Авторы постановки наполнили сцену маленькими бытовыми чудесами, тем не менее, сосредоточившись на взаимоотношениях персонажей. Визуальные находки только дополняют историю, ни в коем случае не перетягивая на себя лишнего внимания. Даже когда на сцене появляются куклы, которые отнюдь не театральные, артисты не переносят на них себя. Это просто игрушки, которые Сергей Федоричев прописал в эскизе, а Наталья Войдак решила добавить. То же самое произошло с корабликом, силуэт которого художник добавил на картинку и который тоже решено было оставить. Так театр кукол стал театром предмета – на это работает и тот самый полиэтилен, и те самые игрушки, ящик кота, лампы, веревки и даже ботинки. Будто два человека или два котика просто играют с предметами, суетясь в своем уютном мирке, пока их никто не видит.

В спектакле два состава. Первый – заслуженный артист РФ Дмитрий Войдак (он же автор инсценировки) и Ирина Сергеева. Можно назвать этот состав основным, потому что именно на этих артистов ставился лабораторный эскиз. Вторую пару составили Данил Чернов и Марина Солдатова, благодаря которым зритель теперь может посмотреть абсолютно другой спектакль. 

«У Димы с Ирой больше эксцентрики, а у Данила с Мариной – психологических ниточек. И получилось, что у первой пары история дружбы, у второй – больше история любви. Мне все говорили, что  Данил не влезет в ящик, он же крупный мужчина. Но Данил поместился, и когда он впервые вышел из ящика, у меня просто был шок! Такой великан, такая махина, такая брутальность и мужская крутая харизма. А когда они в прятки играют, он такой большой, бежит на носочках, на этих лапках, это просто что-то с чем-то», - восхищается режиссер своими артистами.

на фото: в роли кота Дмитрий Войдак

Огромную работу проделал и художник по свету Андрей Зозуля. На сцене все происходит очень легко – мы забываем о том, что работает аппаратура и софиты. Создается ощущение, что свет появляется сам по себе – вот рассвет, вот наступила ночь. Но свет не яркий, а камерный, теплый. И потрясающе в этой атмосфере звучит музыка аргентинского композитора Rodrigo Leao. Не в первый раз «Арлекин» обращается к творчеству этого автора. Его музыка звучала в спектакле «Падал разноцветный снег»  в постановке Алексея Смирнова. И Наталья Войдак была так ей очарована, что теперь Rodrigo Leao появился и в её спектакле. Оказалось, что мелодии аргентинского композитора превосходно сочетаются со звуками моря и дождя.

Спектакль «Кот и мурлик» получился одновременно фестивальным и для массового зрителя. Благодаря трюкам – для детей, благодаря тексту  – для взрослых. У Натальи Войдак получилось создать трогательную, важную и очень красивую историю, которая не забывается на выходе из театра. А благодаря художникам-постановщикам, артистам и всем, кто работал над спектаклем, завоевать получится зрителя любого возраста и настроения.

Фото: Никита Кудрявцев

на фото слева направо: Александр Галимов, Софья Федоровская, Евгений Хабенский, Данил Супрун, Лариса Яковлева

Юбилейный театральный сезон ТЮЗ завершил премьерой по пьесе Людмилы Разумовской – «Дорогая Елена Сергеевна». Название для многих знакомое – в 1988 году вышел одноименный фильм Эльдара Рязанова. По сюжету ученики выпускного класса нагрянули поздравить свою учительницу с днем рождения, принесли букет и подарок. Но сделали они это не из добрых побуждений, а чтобы подменить плохо написанные экзаменационные работы.

Спектакль получился о многом. О вечном конфликте отцов и детей, о собственной совести, о том, на что мы готовы ради своей цели или ради своих убеждений. Режиссер Владимир Вобликов сумел погрузить зрителя в размышления над множеством вопросов, где ни на один нельзя дать однозначный ответ. Ведь не бывает плохих и хороших людей, бывают люди в обстоятельствах.

Пьесу Разумовская написала по заказу Министерства Культуры, которое дало задачу сделать материал о трудных подростках. Результат властям не понравился, но в 1981 году она ставится в Таллине, а затем – в Ленинградском Ленкоме. Но недолго, спектакль снимают с показов. Одноименный фильм Эльдар Рязанов снял в начале горбачёвской перестройки, когда искусство перестает цензурироваться. Пьеса обретает второе рождение и неспроста. Наступило время той самой золотой молодежи – называемой беспринципной и жаждущей «презренного металла». Так пьеса «Дорогая Елена Сергеевна» попала в самый пик переформирования общества. И конфликт поколений автоматически стал конфликтом старого и нового государства.

Елена Сергеевна – одинокая женщина, строгая, живущая с мамой.  Она работает учителем в школе, пытаясь привить ученикам те ценности, которыми руководствуется сама. Елена Сергеевна – принципиальный идеалист, который не принимает сделки с совестью. Она ценит благородство, чтит моральные устои, её кумир – Юрий Гагарин. Пока мама учительницы лежит в больнице, к ней приходят её ученики: Володя (Евгений Хабенский), Паша (Дмитрий Керн, Александр Галимов), Витя (Данил Супрун), Ляля (София Федоровская). Ребята пришли якобы поздравить учительницу – с цветами, бутылкой алкоголя и добрыми пожеланиями. И незнакомый с сюжетом зритель даже может в это поверить, если бы не тонкая игра Евгения Хабенского, который с первой сцены хищно испепеляет взглядом наивную учительницу. Мирная атмосфера продолжается мирным предложением Елене Сергеевне отдать ключ от сейфа с экзаменационными работами. И когда учительница гордо отказывает, предлагая ребятам сдать экзамены на следующий год, квартира становится для неё тюрьмой, а ученики – надзирателями.

на фото: з.а. РФ Лариса Яковлева

За каждым действием есть причина, за каждым характером – семья. Витя – самый безобидный из персонажей – потомственный алкоголик, которого хоть как-то жалеет Елена Сергеевна. Паша, в свою очередь, потомственный интеллигент, мечтающий изучать Достоевского, а поступить на филолога с плохими результатами экзаменов невозможно. Ляля жаждет лучшей жизни, глядя на мать, которая круглосуточно работает, чтобы обеспечить дочери хорошее платье. Школьница готова даже продать невинную себя подороже, лишь бы достичь своей цели. Но самый сильный из пятерки – Володя. Его жизнь, скорее всего, обеспечена. Володя наслаждается властью, переданной «в наследство» от состоятельных родителей. Ему не нужен ключ, у него «всё схвачено» даже с поступлением в МГИМО. У его отца связи, а сам парень щеголяет в джинсовом костюме, недоступном для большинства молодых людей того времени. Кстати, вопрос с костюмами был решен однозначно и вместе с тем замечательно для всех персонажей – интеллигент в костюме, Ляля в модном платье, пьяный Витя, одетый в вязаный разноцветный жилет. Елена Сергеевна в конце спектакля символично остается в белом платье.

Спектакль – актерский в самом лучшем смысле этого слова. Как признавался режиссер Владимир Вобликов, ему достались замечательные актеры Омского ТЮЗа. Евгения Хабенского мы впервые видим в отрицательной роли, и он справляется с ней блистательно. Его Володя артистичный, завлекающий и вкрадчивый. Стоит ли отмечать, как органично Хабенский выглядит в джинсовом костюме на радость зрителю прекрасного пола. Но Володя – и школьник, которого даже хрупкой Елене Сергеевне моментами удается поставить на место. Но он быстро приводит себя в чувство и начинает действовать ещё ожесточенней, дабы сгладить случайную слабость. А чего стоит его танец под музыку с пластинки.

на фото: Евгений Хабенский

София Федоровская в роли Ляли великолепна. Хотя Федоровской подчиняется любой персонаж. Её школьница – то, что называют сильной женщиной, возможно, со сломанным вектором, ведь Ляля уверена, что богатые мужчины – пропуск в настоящую жизнь. Но в Ляле слишком много человечного, которое София Федоровская легко выпускает наружу, позволяя своей героине заботиться о Елене Сергеевне.

Кажется, что без лишних сложностей справился с ролью будущего алкоголика Вити Данил Супрун. Но самый сложный персонаж выпал Дмитрию Керну и Александру Галимову. Александра Галимова увидеть на сцене не удалось, зато удалось оценить всю органику Дмитрия Керна. Его Паша, изначально покорный Ляле, становится покорным Володе. На Ляле он мечтает жениться, ради этого ему нужно построить карьеру, окончив университет. Но Володя быстро становится лидером в его глазах и он уже готов принести Лялю в жертву, ради того, чтобы в будущем её и заполучить. Самая тяжелая сцена спектакля становится испытанием и для персонажа Паши, и для самого актера. Если оторвать взгляд от центральной сцены и обратить внимание, как в ней молча работает Дмитрий Керн, то уже невозможно оторваться от него. Дмитрий Керн – яркий пример актера, который замечательно умеет быть свидетелем происходящего. Его молчание громче любого монолога.

на фото: София Федоровская

И, наконец, центральный персонаж пьесы – Елена Сергеевна. Её роль исполняет заслуженная артистка РФ Лариса Яковлева. Режиссер Владимир Вобликов сразу остановился на этой актрисе, которая признается – поначалу работала на сопротивление  и даже в какой-то момент оправдывала подростков. Но, благодаря режиссёру и коллегам, нужные ноты были найдены и удача свершилась. Елена Сергеевна в исполнении Ларисы Яковлевой безупречна. Впрочем, это не удивительно для актрисы такой палитры.

Все действие проходит в советской квартире, окрашенной в опасный и тревожный желтый цвет по замыслу художника Сергея Федоричева. Здесь прозрачные перегородки и портрет Юрия Гагарина, под которым символично в конце показа оказываются две гвоздики из трех, принесенных ребятами Елене Сергеевне. Замечательно и музыкальное оформление, которое состоит полностью из советской музыки и под конец сильным контрастом к происходящему становится песня «Прекрасное далеко».

Спектакль очень напоминает кино. Не фильм Эльдара Рязанова, а именно кино. Это реализм, в котором нет театральной условности. Именно поэтому спектакль напоминает ледяной душ, будто мы смотрим на большой экран, а не на сцену. Несмотря на то, что в первом действии зритель от души смеётся, то уже в конце этого действия появляется гнетущая тревожность, и на второе мы идем уже с дурным предчувствием. Человек в зале ощущает всем телом, что история не закончится хорошо. И режиссер делает нам благо, сделав в конце титры из сцен постановки. Владимир Вобликов позволяет нам «выйти» из спектакля и достойно встретить актеров аплодисментами за великолепно проделанную работу.

Спектакль «Дорогая Елена Сергеевна» Омского ТЮЗа – это пример некомфортного театра. Владимир Вобликов напоминает – с подростками не нужно гоняться за сказочностью, нужно давать им серьезные темы для размышления. Последней такой работой в ТЮЗе была постановка Владимира Золотаря «1984» по роману Оруэлла. И стоит надеяться, что «Дорогая Елена Сергеевна» даст новый виток для настолько нужных разговоров.

на фото крайний справа: режиссер Владимир Вобликов

Следующие показы состоятся 4 и 30 сентября. Билеты в продаже на сайте Омского ТЮЗа 

В репертуаре Лицейского театра появился спектакль «Рейвенскрофт» 16+ по пьесе современного американского драматурга Дона Нигро. Премьера порадует любителей легко провести время в уютной театральной обстановке.

Режиссёр – артист Омского академического театра драмы Владислав Пузырников. Это уже шестой спектакль в постановке Пузырникова на сцене Лицейского театра. В репертуаре на данный момент идут разноплановые спектакли в его постановке: «Канкун» (2017 г.), «Пять вечеров» (2019 г.) и постановки-долгожители «Пижама на шестерых» (2007 г.) и «Прекрасное далёко» (2009 г.).

На фото: замечательный спектакль «Пять вечеров» в постановке Пузырникова

На это раз Владислав Пузырников обратился к новому для себя жанру.

«Мне всегда было интересно поставить спектакль в жанре детектив. Но у нас получился готический триллер: атмосфера тайны, чего-то мистического,  тревожное ожидание развязки – всё это, я надеюсь, почувствует зритель», - признаётся режиссёр.

И зритель почувствовал, всё-таки приглашенный режиссер уже знает, к чему готова и чего хочет аудитория лицеистов.

Фабула традиционна: в уединённом особняке произошло убийство или несчастный случай. Это предстоит выяснить инспектору Раффингу. Приехав в поместье для расследования дела, он оказывается втянут в хитроумную интригу.

В роли инспектора – Евгений Точилов. Мужественный, красивый персонаж волей случая оказавшийся среди женщин, каждая из которых хранит свои секреты. Пузырников рисует в Раффинге не карикатурного детектива, а обычного человека, со своими слабостями, рабочей усталостью и раздражительностью от затянувшихся интриг.

Эти самые интриги обеспечивают пять дам разного возраста. И здесь лицеисты продемонстрировали всю красоту прекрасного пола своей труппы. Традиционно роскошна Наталья Виташевская (миссис Рейвенскрофт), которая играет роль главы семейства и исполняет мечты всех женщин, бесконечно меняя наряды, некоторые из которых были слишком грубы для столь красивой актрисы.

Сдержанна и статна гувернантка Марси в исполнении Натальи Коротаевой. Актриса исполняет роль аристократичной девушки, которой впору владеть домом, а не служить в нём. В дубле роль Марси играет Фариза Баткина. Дарья Мегдан примерила на себя образ резкой грубоватой женщины домоправительницы Миссис Френч. Эдакой старой девы, за строгостью которой скрывается трепетная и ранимая женщина.

Молодое и прекрасное поколение также радует глаз зрителя Лицейского. Роль хозяйской дочери по имени Гиллиан исполняет Евгения Суровая – немного нарочито, бравурно, выбиваясь из канвы спектакля. И, наконец, служанку Долли играют две разные по типажу актрисы – Светлана Позднякова и Екатерина Щербак.

Несмотря на внушительную продолжительность спектакля почти в два с половиной часа, время пролетает  незаметно. Режиссёр построил динамичный спектакль, в котором даже диалоги тет-а-тет завораживают. Артисты в его постановке пластичны и наедине друг с другом даже при резких движениях остаются осторожно вкрадчивыми. Недоверие, подозрительность, осторожность и женская дерзость создает атмосферу постановки. Несмотря на антрепризный сюжет, у постановщика вышло придать ему некий лоск. Въедливый зритель отметит, насколько до мелочей проработана каждая мизансцена, артисты строго следует выстроенной режиссёром схеме проживания в пространстве.

Огромную работу проделала художник-постановщик Марина Шипова. Сценография одновременно богатая и сдержанная – со вкусом. Большое количество деталей складываются в гармоничную картинку. Здесь много фактур – ребристое матовое стекло, вензеля в уместном количестве, стена с намеком на каменную кладку, мозаичный камин. Холодность синего света, заливающего сцену,  подчеркивают сияющие классическим желтым светом фонари.

С помощью композиторского решения (Игорь Коротаев) и работы со светом спектакль приобретает мистически-готический оттенок. Зрителю будто намекают, что есть место для высших сил, но это приятный обман – ведь человек и сам может стать высшей силой, особенно женщина.

На показы спектакля «Рейвенскрофт» 28 и 31 мая билеты уже проданы. Следующий показ состоится 14 июня.

на фото: Дмитрий Исаенко

«Как перестать стесняться и полюбить себя» - это экспериментальный проект в специально созданном жанре тренировки. Такого в Омске ещё не было и вряд ли будет аналог. Это уже второй променад в текущем репертуаре Пятого театра. Всего пару месяцев назад в рамках «Пространства 25» состоялась премьера «Зумеры». Тогда зрители блуждали по театру, собирая свидетельские показания диджаитал-поколения. На этот раз зрителей пригласили выйти за пределы театра и стать непосредственными участниками действия. Название жанра не подразумевает метафор. Это действительно тренировка. Всё как положено: разминка, пробежка, упражнения на коврике, аэробика, быстрая ходьба и медленный шаг.

Автором проекта выступила куратор «Пространства 25» Екатерина Кулакова. Постановщиком стал приглашенный режиссер Егор Закреничный. Автор текста – Александр Болдырихин, один из драматургов спектакля-променада «Зумеры».

Мы собираемся в кассовом зале и почит сразу встречаемся с единственным героем спектакля – тренером, которого ассистируют две безымянные очаровательные девушки в белых юбках (Диана Морозова и Алина Синогина). Главную роль в постановке исполняют Станислав Горенбахер и Дмитрий Исаенко. Актеры абсолютно разные, по характеру, энергии, фактуре, поэтому и спектакли получаются разными. В работе над ролью артистам пришлось призывать на помощь весь свой жизненный опыт. Не зря они замечали, что каждая свободная минута превращается в репетицию. А Станислав Горенбахер уточнял, что для него этот спектакль намного драматичнее, чем большинство репертуарных постановок на основной сцене Пятого театра.

Мы выходим на улицу, тренер проводит разминку, и затем группа зрителей отправляется в путь. Естественно, легким бегом и с музыкальным сопровождением. У кваждого зрителя - пара наушников.

Это не только спектакль-тренировка, но и спектакль-монолог. Мы, простые обыватели, представляем фитнес в обрамлении картинок из спортзалов, видео по аэробике, накаченных парней, обтягивающих купальников кислотного цвета «Фитнес» - слово модное и даже звучит дорого. Пока ты не попадаешь на спектакль-тренировку, где фитнесом называется вся жизнь человека до появления мягких диванов, кресел-качалок и иных предметов столь сладкого комфорта. Коллективный бег за добычей, строительство пирамид, гладиаторские бои, крестовые походы, олимпийские игры. Казалось бы, в 20-м веке фитнес мог остановиться, но нет, он продолжает делать людей счастливыми, несмотря на мнимый комфорт вокруг нас. Хотя счастье это или лишь сублимация – тоже вопрос.

Нашему герою – тренеру – 122 года. Он в курсе истории фитнеса не только первобытного, средневекового и Нового времени, но и своими глазами видел революцию работы над телом в Америке 20 века. Персонаж иностранец, и перед ним прошли Великая депрессия, мировые волнения, движение хиппи, мода на клубный отрыв, открытие подвальных спортзалов.  Мы видим перед собой человека, который прожил долгую жизнь, но который не может похвастаться, что чаша к её концу заполнена.

«Сухой закон - это, конечно, ЗОЖ, но когда все за ЗОЖ, то никто не за ЗОЖ».

Акробатика, аэробика, пилатес, йога, кроссфит и спасибо восьмидесятым за электронную музыку, которая подарила музыкальную аэробику. А пока герой с горячностью рассказывает историю фитнеса, за его энергичными телодвижениями скрывается личная история. Она лишь отдельными моментами сквозит в его, со стороны забавном, монологе. Сквозит надрывно, отчаянно. Он торопится рассказать, изредка делает паузы, но только чтобы набрать воздуха в натренированные легкие и продолжить – вдруг его перестанут слушать. Персонаж погружает зрителя в свой фитнес, настаивает на продолжении, на быстром дыхании и не терпит передышек.

«Так и не полюбив друг друга, мы расстались, ожидая встретиться в новой эпохе идеальных спортивных людей, где не будет места чувствам».

У него нет сердца, в какой-то момент он его потерял, но не растерялся и продолжил жить дальше, будучи полноценным участником становления профессионального признанного фитнеса. В нем жизнь, которой неподвластна даже смерть. А нет сердца – нет проблем, и одышки тоже. Ведь оказывается, в том, что тебя все любят, нет никакого смысла, если ты сам любить не способен. Тело молодо и сильно, а душа так устала, что на своей самой важной тренировке человеку нужно рассказать всё случайному зрителю. В какие-то моменты наш тренер срывается и пытается убежать, но всё равно находит в себе силы, чтобы завершить начатое – довести нас до совершенства.

Пока мы ищем сквозь своё тело самих себя, на наших глазах ломается красивый сильный герой. Ломается не внешне, он по-прежнему безукоризненно делает свою тренерскую работу, но внутренне. Контраст сильный, который можно было бы не заметить, если бы не пронзительная работа Станислава Горенбахера (на предпоказе был именно он). Напуганный взгляд в самом начале, привычный блеск в глазах во время тренировки, юмор в телодвижениях в ходе разминки, отчаяние от осознанного (и даже фактического) тупика, грусть и смирение в итоге. О том, что может спасти или окончательно погубить нашего персонажа, можно решить, только побывав на спектакле.

на фото: Станислав Горенбахер

Советы для зрителя:

1. Оставляйте сумки, рюкзаки и всё лишнее, даже телефоны, в кассовом зале. За ними присмотрят.

2. Надевайте кроссовки или другую удобную обувь – придется пробежаться.

3. Одежда должна быть комфортной и желательно не белой – всё-таки это тренировка.

4. Если вы не хотите тренироваться, вас никто не заставит. Будьте свидетелями происходящего. Слушайте тренера и внимательно смотрите ему в глаза.

5. Если у вас есть спортивный костюм, то это тот момент, когда его рекомендуется надеть в театр.

И помните: Чистый фитнес. Чистый результат.